Aguirre, Luis Fernando (1)
Villaviciosa, 1935 Pintor intuitivo, ha desarrollado una obra variada poco atenta a estrategias de ningún tipo, y en la que el componente racional o analítico siempre se ha visto sustituido por una tendencia a explorar los caminos de la subjetividad. Bajo el prisma del realismo crítico, del expresionismo, surrealismo, realismo mágico o la ensoñación erótica, las obras de L.F.Aguirre, siempre cuentan historias. La mirada del artista, llena de escepticismo y melancolía (como buen critico y poeta) filtra en ocasiones, su admiración por momentos puntuales de la historia de la pintura rindiendo homenaje a aquellos autores que le son cercanos: Chirico, Bacon, Dix, Grosz. La denuncia social, representada por orondos burgueses que siempre miran algo con obstinación lasciva, va dejando paso a una pintura donde emergen escenas interiores de marcado acento poético, colores brillantes y composiciones abigarradas. Las imágenes se componen en planos superpuestos, casi fundidos, con alusiones permanentes a referencias cotidianas de la vida del artista. A medida que avanza el tiempo, la figura humana cobra mayor importancia, aunque sus obras mantengan la intención permanente de sugerir sin halagar.
Albacete, Alfonso (6)
Antequera, 1950 Se formó pictóricamente con Juan Bonafé en La Alberca (Murcia), llevando después a cabo sus estudios de Bellas Artes y Arquitectura en Valencia y Madrid. La obra de Albacete se puede localizar en la intersección entre abstracción y figuración. Sus cuadros, poseedores de un fuerte cromatismo, se convierten en registros de momentos, lugares y sensaciones vividas filtradas por el recuerdo. Entre sus exposiciones individuales y colectivas, destacan las realizadas en la Galería Marlborough de Madrid (2016); el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Sevilla (2014); el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid (2014); el Museo de Arte Moderno de Moscú, Rusia (2011); en la Colección de Arte Contemporáneo en el MEIAC, Badajoz (2007); en el Espacio Caja de Burgos, Burgos (2000) o las históricas, 50 Obras Museo de Arte Contemporáneo de Madrid (1987) y Madrid D.F. celebrada en el Museo Municipal de Madrid (1980). Su obra está presente en numerosas colecciones como el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla); en el Museo de Arte Abstracto (Cuenca); en The Chase Manhattan Bank, Nueva York, EE.UU.; en la White House Collection (Washington); en la Collection Dobe, Zúrich, Suiza; en el Mie Prefectural Art Museum, (Mie, Japón); en el Museo Wurth, (Kunzelsau, Alemania); o en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) Alfonso Albacete es artista Marlborough desde 2008.
Alcalde, Juan (2)
Madrid, 1918-2020 Se formó, entre 1931 y 1932, en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Este pintor y artista gráfico también estudió en el Museo de Reproducciones Artísticas y en el Círculo de Bellas Artes, y posteriormente, en 1934, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Allí tuvo como profesor a Aurelio Arteta, que fue su valedor para el Premio “Molina Higueras”, otorgado por la Academia de San Fernando. En 1940 realizó su primera exposición. Además, expuso en Perpiñán, en la sala Aragó, y en 1941 participó en una muestra colectiva. Junto a sus amigos Marc y Jordá expuso en la sala Chez Détail, en 1942. Se formó, entre 1931 y 1932, en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal. Este pintor y artista gráfico también estudió en el Museo de Reproducciones Artísticas y en el Círculo de Bellas Artes, y posteriormente, en 1934, ingresó en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Allí tuvo como profesor a Aurelio Arteta, que fue su valedor para el Premio “Molina Higueras”, otorgado por la Academia de San Fernando. En 1940 realizó su primera exposición. Además, expuso en Perpiñán, en la sala Aragó, y en 1941 participó en una muestra colectiva. Junto a sus amigos Marc y Jordá expuso en la sala Chez Détail, en 1942. En 1948 mostró su obra en el centro Mercantil de Zaragoza, y en 1949 en Valencia. Ese año pudo concretar su viaje a Caracas (abortado por entrar de forma clandestina a España, por lo que fue detenido tres meses en la Cárcel Modelo), y residió en América durante diez años. Allí, donde nacieron sus dos hijos -uno en 1952 y el otro en 1958-, pintó paisajes, hizo ilustraciones, etc. En 1953 expuso en el Museo de Bellas Artes de Caracas, después estuvo dos años en la República Dominicana, donde realizó dos retratos del Presidente Trujillo. En 1954 expuso en Puerto Rico, y en 1960 llegó a París. En aquella ciudad, tres años más tarde, participó en la exposición de la Galería Epon “Artistes Espagnoles á París”, junto a Ortiz, Peinado, Viñes, Lobo, etc. En 1965 expuso en la galería Damier y en la galería El Bosco de Madrid. Al año siguiente lo hizo en Murcia y en Londres. En 1967 expuso en Zurcí, París y Bilbao, al otro año en Salamanca, y en 1969 y 1970 otra vez en París. En los años posteriores exhibió su obra en Madrid, Caracas, París, Santander, Barcelona, La Coruña, Palma de Mallorca, Suecia, etc. En 1979 falleció su esposa (con la que compartió varios años de su vida), y durante cuatro años no expuso, hasta que en 1983 mostró su producción en Madrid. Además, participó en importantes muestras colectivas de la Escuela de París. En 1984 se volvió a casar, con Patrocinio Molero. En su pintura los temas van desde los paisajes urbanos a “personajes provistos de un contundente tratamiento expresionista”. En sus últimas serigrafías presentó las dos ciudades símbolo de la cultura moderna: París y Nueva Cork. También reflexionó sobre la importancia de la información visual de los medios de comunicación en la sociedad de hoy. Según escribió Joaquín de la Puente en su libro sobre el pintor: “Es poética la pintura de Alcalde. Lírica de los sentimientos hechos luz; por los versos libres del color. Sin académica rima que lo amarre. Sin otra métrica que la suya. La de las pocas cosas que se pintan en su pintura. La de las cuantiosas mas de por su alma. La de todo eso de que es tan difícil hablar”. Su arte está representado, entre muchos otros, en estos museos: en el Museo de la Universidad de Puerto Rico, Museo de la Villa de París, Museo Saint Queen (Francia), Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, entre otros. En su pintura “expresa la desolación, la soledad y la casualidad de las relaciones humanas”, y predominan en ella los colores fríos, con protagonismo del blanco. Una obra suya que se destaca es New York Collage, Serigrafía sobre cartón (2000)
Alvarez Basso, Dario (1)
Se dio a conocer en los años ochenta, cuando acudió a los Talleres de Arte Actual celebrados en el Círculo de Bellas Artes en Madrid, donde entró en contacto con artistas de la talla de Darío Villalba, Eduardo Arroyo y Gustavo Torner. Su obra, de carácter reflexivo y evocador, utiliza la materia emplastada en la línea de Tàpies, apareciendo elementos como dientes, sierras, círculos, ojos y escrituras arabizantes. La tensión es parte esencial de su poética y se deriva de la presencia de símbolos figurativos de voluntad narrativa en pinturas concebidas en una atmósfera próxima al expresionismo abstracto. Su calidad artística ha sido reconocida desde el inicio de su trayectoria con la concesión de diferentes becas, como la que le llevó a París en 1988, y con galardones como el Primer Premio de Pintura de Santa Lucía en 1989.
Arroyo, Eduardo (2)
Madrid, 1937-2018 La trayectoria personal y artística de Eduardo Arroyo (Madrid, 1937) resulta muy representativa de su generación. Nace durante la Guerra Civil, se educa en el Madrid de la posguerra, y vive el exilio en Francia durante la dictadura franquista hasta que decide regresar a España en 1976, a partir de la promesa del establecimiento de las libertades democráticas. Arroyo representa la continuidad de una identidad de artista que generaron las vanguardias en los años treinta, y a cuya configuración contribuyen decisivamente artistas españoles como Pablo Picasso y Joan Miró. En el caso de Arroyo, se trata de una identidad marcada por las pautas de comportamiento de “lo español”, lo que influye en su trayectoria creativa. La exposición presenta un recorrido por la obra de Arroyo a lo largo de cuarenta años y se inicia con sus primeras obras de 1958 en la capital francesa. Más de ciento sesenta obras, entre óleos, dibujos, acuarelas, esculturas y material escenográfico muestran su ingente producción. En la carrera del artista cabe diferenciar dos etapas: en el exilio (1958-1976) y después del exilio (1976-1998), significativamente separadas por la devolución de su pasaporte español. Su pintura de los años sesenta se aproxima a los postulados de la Nueva Figuración (o Figuración narrativa), que por su vertiente más política se encuentra cercana a su vez a los presupuesto del Arte Pop. No obstante su obra está dominada por la temática española, interpretada desde la ironía y la crítica en respuesta a la situación política del país, como puede advertirse en Sama de Langreo (Asturias), sep 1963. El minero Silvino Zapico es arrestado por la policía (1967) o en Caballero español (1970). También recurre a guiños a la historia de la pintura, como en la obra Vivir y dejar morir o el fin trágico de Marcel Duchamp (1965), serie realizada junto a los artistas Giulles Aillaud y Antonio Recalcati o España te Miró. La Masia (1967). En los años sesenta también inicia su trabajo como escenógrafo, colaborando con Klaus Grüber. La primera etapa se cierra con la monumental Ronda de noche (1975), pastiche y reconstrucción del cuadro de Rembrandt van Rijn, con el que quiere analizar y denunciar las relaciones ente arte y poder. Arroyo encuentra en la figura de Ulises la metáfora y el tema idóneos con los que narrar su propia experiencia, como en Dichoso quien como Ulises… (1977), mientras que adopta al deshollinador para equipararlo metafóricamente con el oficio de pintor, como en Madrid-París-Madrid (1984), tras asumir anteriormente el papel de boxeador y torero. A partir de los años ochenta amplía el concepto y el contexto de lo español al tiempo que aumenta la carga irónica de sus narraciones pictóricas, que centra en figuras españolas como Carmen Amaya en Carmen Amaya fríe sardinas en el Waldorf Astoria (1988). También aborda con mayor frecuencia temas de política nacional e internacional siempre desde la comicidad crítica, sea en sus óleos, esculturas, dibujos, collages o fotografías, como puede apreciarse en Gorbachov (1986), Dama de Elche (1986) y Dama de Baza, (1994).
Balart, Waldo (2)
Banes, 1931 Díaz-Balart estudió Ciencias Políticas y Económicas en La Habana antes de mudarse a Nueva York para cursar estudios de arte en 1959. De 1959 a 1962 estudió arte en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Profesionalmente, en 1967 se desarrolla como conferenciante en muchos centros culturales y universidades de Estados Unidos, Polonia, España, Alemania y Holanda. Actuó en dos películas de Andy Warhol , La vida de Juanita Castro (1965) y Los amores de Ondine (1968). Díaz-Balart da conferencias con frecuencia y su obra - exploraciones de color y luz en pinturas geométricas y escultura ligera - ha sido ampliamente expuesta. En 1966 presenta una exposición individual en la Galería de Estudio en Washington, DC En 1967 presentó una exposición en Galerie Iris Clert París , Francia . En 1967 se incorporó a Mass Art Inc. en colaboración con Sujan Souri, Dorian Godoy y Philip Orenstein. La compañía fabricó la primera silla inflable diseñada por Philip Orenstein y ahora está incluida en la colección permanente del Metropolitan Museum of Art de Nueva York. En 1998 presenta "Waldo Balart, Pintura Negra" en la Galería Edurne, Madrid , España . En 1970 participó en la exposición colectiva Salón 70 en el Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana . En 1964 exhibe en la Unión Panamericana en Washington, DC y en 1968 en la Galería de Arte Moderno de Nueva York, Estados Unidos. En 1970 participó en la primera Bienal del Grabado Latinoamericano de San Juan en el Instituto de Cultura Puertorriqueña de Puerto Rico y en 1979 en la Tercera Bienal Internacional del Deporte en Bellas Artes Arts) en Barcelona , España. En 1995 participó en la Feria Internacional de Arte , Köln , Alemania. Recientemente [¿ cuándo? ] , Tuvo exposiciones individuales en los Países Bajos , en España y en los Estados Unidos en la Galería de Arte de la Universidad Internacional de la Florida . Es becario de la Fundación Pollock-Krasner y trabaja en las colecciones permanentes del Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Mondriaanhuis de Amersfoort , Holanda y el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Arte Moderno en Huenfeld , Alemania, entre otros. En 1992 publicó el libro Waldo Díaz-Balart, Ensayos de Arte. Su hermana, Mirta Díaz-Balart , fue la primera esposa de Fidel Castro . Su sobrino Mario Díaz-Balart es un representante del Congreso de Estados Unidos y otro sobrino, Lincoln Díaz-Balart , es ex congresista.
Barjola, Juan (6)
Badajoz, 1919-2004 Perteneciente a la corriente del expresionismo representativo, es uno de los pintores españoles de mayor importancia en la segunda mitad del siglo XX, destacando en su pintura el componente moral, que recoge en imágenes las convulsiones que se producen en la sociedad española de su tiempo con un gran dominio del color y del gesto. Sus primeros estudios artísticos los realiza al entrar con 17 años en la Escuela de Artes y Oficios de Badajoz, pasando más tarde a la de Madrid. Hizo sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, trabajo como tallista, vendió sus primeros dibujos hasta que, en 1957 hizo su primera exposición en la Galería Abril de Madrid. En 1960 obtiene una beca de estudio de la Fundación Juan March que le permite viajar a París y Bélgica. En 1963 los críticos le distinguen la Medalla de Oro Eugenio D’ Ors y expone en las salas de la Dirección General de Bellas Artes. En la Exposición Nacional de 1968 obtiene el Premio Nacional de Dibujo. Posteriormente expone en salas como Ateneo de Madrid, Galería Altamira (Oviedo), Bienal de Sao Paulo, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Galería Biosca (Madrid). En 1985 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Destacan sus donaciones al pueblo español que se materializan en 1988 en la inauguración en Gijón del museo que reúne gran parte de su obra y otra donación a Extremadura.
Basterrechea, Suso (5)
Ferrol, 1968 Alrededor del 2005 y como consecuencia de distintos estímulos Suso Basterrechea decide empezar a trabajar con una técnica más inmediata. Que genera una mayor libertad y una menor dependencia de factores que de alguna manera llevaban limitando su trabajo. El dibujo es de alguna manera el procedimiento más natural para el artista. Realmente siempre desconfió de este medio, continua haciéndolo, demasiado gestual o subjetivo en su realización, sobre todo teniendo en cuenta los procedimientos que emplea en la elaboración de las piezas y las formas escultóricas simples y geométricas en las que llevaba tiempo trabajando. También pesaron sin duda en un primer momento los prejuicios que pesaba sobre el dibujo como obra definitiva, hoy sin duda superados en buena medida. Todo esto, así como las prácticas a las que se había habituado durante años como escultor condicionan la naturaleza de esta obra gráfica. Dibujos tratados individualmente y con sentido pleno en sí mismos, pero pensados para relacionarse entre ellos, formando instalaciones que potencian sus valores conceptuales y formales. No resulta fácil determinar los distintos aspectos íntimos, sociales o plásticos que determinan el aspecto actual de mi obra. Lo que sí puedo decir es que se trata de un proceso lento, donde de manera general se puede señalar que la intención de hacer “arte” se ha ido sustituyendo o complementando con la necesidad de encontrar unas herramientas, unos instrumentos, eficaces para dar respuesta, siempre abierta, a las distintas cuestiones o situaciones en las que mi vida poliédrica me coloca en cada momento. Dibujo, escultura, activismo social, video, escenografía, diseño, textos, cartelería, gestión cultural…son algunas de las muchas inquietudes o estadios que conforman mi trabajo. Variedad de formas que comparten un interés por un compromiso con el contexto actual así como un gusto por relacionarse con el espacio físico en el que se desenvuelven en cada momento. La instalación es por tanto, en cualquiera de las variedades técnicas desarrolladas, la forma de actuación más utilizada. Después de volcarme durante varios años en la escultura como argumento principal es actualmente el dibujo el que conforma el grueso de mi labor.
Boix, Manuel (0)
Alcudia, 1942 Estudia en la escuela de Bellas Artes San Carlos de Valencia. Manuel Boix ha sido uno de los introductores del nuevo realismo en la Península, en los ya remotos 60. En la década siguiente, las series Falconeria (Cetrería) y Trama i ordit (Trama y urdimbre) profundizan en el mismo hecho de pintar, con dos obras de una gran belleza formal, como L'arc del triomf (El arco del triunfo), que cierra la primera, y El martiri de sant Sebastià (El martirio de san Sebastián), que resume la segunda. Desde que se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 1980, y particularmente después de una larga estancia en Nueva York, su trabajo se ha significado en los más diversos campos de la creación: pintura -series Acròstic (Acróstico), Frontissa, Alfabet (Alfabeto) , Escacs...-, ilustración de libros - Tirante el Blanco, La Serp, el riu (La Serpiente, el río), Don Quijote..., obra gráfica y carteles, y últimament escultura. Los Borja, El Laberint (El Laberinto), Els equilibristes (Los equilibristas) y El punt dins el moviment combinan todos los recursos anteriores, y son tentativas que buscan la plena ocupación del espacio escenográfico. Últimamente nos ha descubierto la serie El rostre (El rostro) que ha estado en Valencia, Barcelona, Sevilla, Madrid y Pamplona.
Bonifacio, Alfonso (0)
San Sebastián, 1933-2011 Aficionado al dibujo desde niño, desempeñó los oficios más diversos, entre ellos el de novillero hasta que una cornada le hizo abandonar definitivamente los ruedos. En 1955 gana el Primer Premio de Pintura de San Sebastián con un Cristo cubista, lo que le anima a ingresar en la Escuela de Artes y Oficios, de la que pronto es expulsado. Comenzó a trabajar como dibujante en un estudio de publicidad y, en 1958, protagoniza su primera muestra individual en el Ateneo de Guipúzcoa. Tras una corta estancia en París, donde conoce a artistas como Antonio Saura o Modest Cuixart, se instala en Bilbao. Allí contacta con la galería Grises de Bilbao, en la que expone su obra con gran éxito. En aquellos años cultiva una abstracción informalista que tiende a ocupar toda la superficie pictórica con amplias manchas de tonos austeros, dispuestas sobre fondos predominantemente blancos. En 1968, después de conocer a Fernando Zóbel, decide trasladarse a Cuenca, ciudad en la que Antonio Lorenzo le introduce en las técnicas del grabado. Tanto sus óleos como sus estampaciones comienzan a llenarse de criaturas biomórficas inspiradas en los insectos. A finales de los 70 y principios de los 80 se consagró como uno de los artistas españoles más importantes de su generación. Aunque muy próximo al Grupo de Cuenca, su obra adopta un carácter personal, con toques expresionistas más cercanos a los de otros artistas de la vanguardia internacional, como los del grupo Cobra. Llegó a exponer con este colectivo, formado por artista de diferentes ciudades que planteaban una dinámica expresiva entre la abstracción y la figuración. De la mano de la Galería Juana Mordó, a la que permanece vinculado desde 1970 hasta comienzos de los años 90, sus trabajos se exhiben en muchos lugares. Su pintura se enriquece, prestando más atención al color pero sin perder la fuerza del dibujo, con formas dinámicas y sugerentes. En 1989 recibe el encargo de diseñar las vidrieras de la catedral de Cuenca, junto con artistas como Gerardo Rueda o Gustavo Torner. Su obra se expone en lugares como en el Museo de Arte Abstracto Español de las Casas Colgadas de Cuenca, Fundación Antonio Pérez, Steikborg de Dinamarca, Bellas Artes de Bilbao, Biblioteca Nacional de Madrid, Stedelijk de Amsterdam, San Telmo de San Sebastián o en el Museo Reina Sofía, en Madrid. Fue galardonado con el Premio Nacional de Grabado, en 1993, y con el Premio de las Artes de la Comunidad de Madrid en 2005. En 2007 el Círculo de Bellas Artes de Madrid le dedica una retrospectiva titulada "En los campos de batalla". Mostró por última vez su obra en San Sebastián en agosto de 2009 en la Galería Kur. http://www.euskomedia.org
Brinkmann, Enrique (0)
Málaga, 1938 El pintor, grabador y dibujante autodidacta de origen alemán Enrique Brinkmann (Málaga, 1938) inició en Málaga estudios de peritaje industrial y los abandonó tempranamente para dedicarse a la pintura. A comienzos de los años sesenta se trasladó a Alemania, donde amplió su formación autodidacta, aprendió grabado, mantuvo contactos con representantes del movimiento Fluxus y asistió a los primeros happenings de Wolf Vostell. En 1964 vivió en Italia, donde conoció al pintor vanguardista Emilio Vedova. En Málaga le contacta el actor Anthony Quinn, que le compra numerosos cuadros y dibujos y le organiza una exposición en la Gallery Forum de Nueva York. Residente de nuevo en España desde 1966, se dedica Brinkmann fundamentalmente a la pintura, el dibujo y el grabado. En este periodo representa a España en dos ediciones de la Bienal de Sao Paulo y en varias ediciones de la Exposición Internacional de Dibujo de Rijeka. Sus logros artísticos son reconocidos en 1994 con el Premio Nacional de Grabado de la Calcografía Nacional y en 2006 con el premio A una vida de arte del Ministerio de Cultura. Las obras de Brinkmann se encuentran en el MoMA de Nueva York, el Wallraf-Richartz Museum de Colonia, el Museo de Arte Abstracto de Cuenca y el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, Brinkmann ha calificado su obra como “un proceso hacia el infinito”. Abierta a una constante innovación, sus transformaciones no son sin embargo espontáneas sino que parten de una reflexión continua y de un persistente fundamento de valores y convicciones, que resultan de la investigación propia, la experiencia personal y el conocimiento directo de materiales y técnicas. Mientras que en las primeras etapas de su trayectoria su producción está inspirada en referentes materiales del mundo real, a partir de finales de los 70 se produce un abandono progresivo de la figuración, marcado por la desaparición de la figura como fuente anecdótica de su arte y la adopción de soluciones plásticas de acusada esencialidad. A partir de 1987, en una siguiente etapa de cambios, decide el artista depurar su obra de todo lo accesorio, prescindiendo de la forma y dando entrada a elementos gráficos de gran sutileza, variando también los fondos siempre sugerentes de sus creaciones. En este periodo la innovación alcanza también a los materiales y las técnicas empleadas.
Broto, Jose Manuel (0)
Zaragoza, 1949 Nació en Zaragoza en 1949 y ha sido uno de los mayores exponentes de la pintura-pintura y, por tanto, uno de los artistas que más ha reivindicado la abstracción frente a la pintura figurativa y también frente al arte conceptual.L a importancia concedida al vacío y la creación de atmósferas son dos características presentes en todo su trabajo. Uno de los objetivos que preside su obra es que sea observada desde el punto de vista estrictamente pictórico, eliminando cualquier elemento que tenga que ver con algún asunto o contenido. Además del reconocimiento internacional que ostenta, en el año 1995 se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1997 obtuvo el Premio ARCO de la Asociación de Críticos. En el año 2003 recibió el Premio Goya de Grabado.
Buente, Lidia (0)
Buenos Aires, 1945 Lidia Buente ha indagado con excepcional lucidez sobre este complejo sendero que permite que unas manchas que se mueven libremente en un espacio no referencial puedan plantear diversas traducciones iconográficas. La tensión entre ausencia y presencia de lo real se resuelve a través de un gesto plástico donde el dibujo, cuando aparece, ya no sirve como demarcación física de una forma determinada. Pero para llegar a activar tal diversidad de pensamientos y sentimientos introspectivos es necesario generar también una sólida reflexión estética. En su obra última, Lidia Buente propicia una relación efectiva entre la mirada y la pintura, un asomarse al fondo de la elocuencia de la luz, de la ebriedad del color, un encuentro con el camino telúrico de esa materia que modula la alianza de los contrapuntos que resuenan en nuestra retina. CARLOS DELGADO MAYORDOMO Lidia Buente expresa su visión particular de la vida a través de la mancha y el color, con una fuerte carga de grafismos. Pintura gestual donde luces y sombras alternan a veces con imágenes fotográficas creando un contrapunto que acompaña la lectura de la obra. Diálogo íntimo donde se mezcla el mundo interior y el exterior en un complicado tejido no desprovisto de cierta magia, donde convergen los recuerdos, la realidad y la ficción. Doble proceso, personal y a la vez de comunicación, donde el juego de formas y colores a través de la mancha, la luz y el gesto, las presencias y las ausencias, permite compartir espíritu y belleza con el interlocutor anónimo.
Caballero, José (0)
Huelva, 1915-1991 Fue pintor, escenógrafo e ilustrador. En 1924 inició sus estudios de dibujo con el profesor José Fernández Alvarado. En 1931 se instaló en Madrid para comenzar su formación como Ingeniero Industrial en la Academia Krahe, que abandonó para pasar a estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando y en el taller de Daniel Vázquez Díaz. Estuvo relacionado con los poetas vanguardistas de su tiempo, como Neruda, Alberti, García Lorca, entre otros. En 1935 colaboró con sus dibujos en la conferencia surrealista Telefonía celeste de Adriano del Valle en el Ateneo de Sevilla. Además, realizó la escenografía para Bodas de sangre, de García Lorca, con quien formó parte del grupo teatral La Barraca. Entre 1940 y 1948, alejado de la pintura, se dedicó a la escenografía teatral y cinematográfica. Además, viajó a Italia. En 1950 realizó su primera exposición individual en la Galería Clan de Madrid, y en 1951 obtuvo sus primeros premios: el del Círculo de Escritores Cinematográficos y el de Pintura Joven de la primera Bienal Hispanoamericana (celebrada en la capital española). En 1952 expuso en la Bienal de Venecia y en la International Exhibition del Carnegie Institute de Pittsburgh, Pennsylvania. Al año siguiente, lo hizo en el Museo de Arte Moderno de Madrid y participó en la International Exhibition of Arts de Londres. Recibió el Premio de Pintura en la II Bienal Hispanoamericana del Museo de Arte Moderno de La Habana. En 1955 obtuvo el Gran Premio de Pintura en la III Bienal de Arte Hispanoamericana celebrada en Barcelona. En 1960 fue premiado en el Concurso Internacional de la Decoración del Gran Teatro de la Ópera de Ginebra e inauguró una exposición en Lausanne. En 1963 expuso por primera vez en los Estados Unidos; en 1970 lo hizo en la Galería Juana Mordó de Madrid, en donde siguió exponiendo durante bastantes años. En 1971, en París, preparó con Pablo Neruda la edición de bibliografía de su poema “Oceana” con catorce litografías; y al año siguiente realizó su primera exposición antológica en Huelva. En 1973 se inauguró una retrospectiva de su pintura en la Fundación Gulbenkian de Lisboa. En 1984 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Cinco años más tarde viajó a Bulgaria para ser investido Doctor Honoris Causa por el Instituto Superior de Bellas Artes de Sofía y para inaugurar su exposición antológica de obra gráfica en el Museo Internacional de dicha ciudad. Ese mismo año le fue concedida la Medalla de Oro a las Bellas Artes. En 1990 recibió el Premio de Artes Plásticas de la Cultura Andaluza, expuso su obra gráfica en la Capilla del Oidor de la Fundación Colegio del Rey de Alcalá de Henares e inauguró su última exposición en la Galería Juan Gris de Madrid. Falleció en dicha ciudad el 26 de mayo de 1991. En Alcalá, donde tuvo su último estudio, se encuentra la sede de Fundación-Museo con su nombre; el Ayuntamiento de esta ciudad, a título póstumo, le nombró Hijo Adoptivo y le otorgó la Medalla de Oro de la Ciudad. http://www.ocio.net/estilo-de-vida/jose-caballero-biografia-del-artista-espanol/
Canogar, Rafael (0)
Toledo, 1935 Es uno de los artistas más representativos del arte español de la segunda mitad del siglo XX. En 1944 se trasladó a Madrid con su familia y cuatro años más tarde, comienza su formación en taller del pintor Daniel Vázquez Díaz a la vez acude por las tardes a las clases de dibujo del Círculo de Bellas Artes. En esta época pinta paisajes y retratos al estilo de su maestro y comienza a interesarse por la obra de Braque, Picasso y Miró. A diferencia de otros artistas de la misma generación, su obra no se puede clasificar dentro de un estilo determinado, aunque posee unos rasgos que serán constantes a lo largo de su obra: el gesto, la materia y el color. Tres elementos que se presentarán alternativamente dentro de una estética informal, figurativa o abstracta. En 1955 entabla relación con el crítico y poeta Manuel Conde. Con él viaja a París e Italia y entra en contacto con las corrientes artísticas del momento. A partir de ahí, su obra se orienta hacia la abstracción informalista. En 1957, funda junto a otros artistas el grupo "EL PASO", que supone una renovación para la pintura española. Dentro de ésta etapa compone una serie de obras de gran fuerza expresiva, muy gestuales y con tonalidades ocres, grises, blancos y negros. En La rueda, de 1959, el trazo está aplicado con gran violencia. Plantea una irradiación o tensión expansiva, enfatizada por una técnica a base de fuertes empastes de pintura aplicada con los dedos y con una gama de color reducida al blanco y negro, con acentos de color rojizo. En los años sesenta, comienza la serie "Personajes" con una tímida intención de crítica social. A partir de 1964 abandona el informalismo y su pintura toma un rumbo nuevo, se inclina hacia la figuración. Sus nuevas obras se basan en crónicas narrativas tomadas de los medios de comunicación, comenzando una etapa más realista que evoca escenas urbanas que funcionan como denuncia social y política. Algunos ejemplos so El accidente o Escucho con mis ojos a los muertos. Posteriormente, entre 1967 y 1975, estas escenas urbanas adquieren una tercera dimensión y los colores se reducen a la gama de grises y negros. Se trata de "los relieves", construcciones monocromas a medio camino entre la pintura y la escultura, realizadas a partir de vaciados en materiales como la madera, fibra de vidrio y poliéster. En ellas representa detenciones, prisioneros, multitudes, etc. Un ejemplo es El paseo de Juan. A partir de 1975, Canogar siente la necesidad de volver de nuevo a la abstracción y a expresarse con medios exclusivamente plásticos. La materia pictórica y la gama cromática se enriquecen llenando de matices la obra. Poco a poco va introduciendo trazos y líneas, formas geométricas que le permiten reordenar la composición. Su obra, está dominada por una cuidada tensión entre gestualidad y geometría.
Cantera, Miriam (0)
Madrid, 1969 Desde su formación en la espacialidad de Grabado ha apostado por la gráfica en su trabajo. Con taller propio, en el 2003 funda elmonodelatinta, donde el trabajo personal se ha combinado con el trabajo de edición. Ha expuesto regularmente en Estampa con diversas Galerías, premiada y seleccionada en múltiples concursos de Gráfica, destaca de los últimos años el segundo premio en la IX Edición del Premio Nacional de Grabado Dinastía Vivanco, en 2016, Premio Invitación Pressse Papier para realizar una estancia y una exposición individual en Trois-Riviéres, Canadá en 2013 y la beca de residencia obtenida en la séptima edición del Artist-in-Residence Program del Atelier Circularire, Montreal, Canadá en el 2012. Últimas Exposiciones Individuales: 2015 Espacio de Arte ECA. Santander. “Despieces y composturas 2.0” Galería Brita Prinz. Madrid. “Despieces y composturas" 2014 Galerie Pigmalion. Diplomatic Art Timisoara, Rumanía. 2013 Galería Pressse Papier. Trois-Riviéres. Québec, Canadá
Capa, Joaquín (0)
Santander, 1941 Estudió en la Escuela Superior de Bellas Artes de Madrid además de realizar estudios de Filosofía en Roma y Madrid, y de Arquitectura en Madrid y Sociología del Arte en París. En su trayectoria fue becado por la Fundación Juan March entre 1975 y 1976 y por el ministerio de Cultura entre 1983 y 1984. Mantiene una estrecha relación con la India donde ha sido profesor invitado en la Universidad de Baroda en 1983,1989 y 1990 y donde obtuvo el Premio de la I Bienal Internacional de Bhopal. Su Obra se puede encontrar en museos y colecciones como el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, Museum of Modern Art de Nueva York, Los Ángeles County Museum of Art y la Fundación Gulbenkiam de Lisboa. Está casado con la también pintora María Luisa Sanz.
Carbonell, Xavi (0)
Alcoy, 1971 La pasión por el Arte y la necesidad de expresar sus sentimientos de manera plástica,fue lo que llevó a Xavi Carbonell a iniciarse en el mundo de la pintura hace ya más de dos décadas. Sus principales influencias no solo han venido de la mano de artistas consagrados como Basquiat, Cy Twombly, Saura y otros del Expresionismo Abstracto, sino también de los garabatos esbozados por los más pequeños. Dominando la abstracción y el dibujo automático, Xavi Carbonell nos presenta una obra en la que queda patente el interés del artista por el Arte Infantil, no solo desde un punto de vista formal, donde los elementos iconográficos están esbozados con trazos que parecen surgidos de la mano de un niño, sino también en la elección de los héroes y personajes de sus obras: princesas, ogros, caballeros… seres que forman parte de un cuento que nosotros mismos nos inventamos. En estas obras hay poesía y sentimiento. Hay sencillez y pureza. Hay libertad. Libertad en la ejecución, en la creación, siendo esta libertad la conexión con el público, quién, ante una de sus obras, es libre de imaginar, de inventarse una historia. Somos libres de hacer nuestro el mundo particular y privado del artista. Libres para creernos los protagonistas de ese universo al que nos gustaría acceder sólo con tocar el lienzo, o golpeando los tobillos tres veces, como Dorothy Gale, sintiendo como un tornado nos atrapa y a través de un largo túnel, caer como Alicia en ese mundo maravilloso y fantástico, donde no se sabe muy bien lo que nos vamos a encontrar. Libres para imaginar que caminamos perdidos por ese mundo fantástico, chocando con los corazones, oliendo las flores, intentando tocar las nubes, queriendo atrapar una mariposa para que nos de suerte, o deseando ser la dama… o el caballero. Esta iconografía a veces real, a veces fantástica, ha dado como resultado una obra de gran belleza, sublime, realizada de la misma manera que las manos infantiles plasman sus propios sueños en la pared. Quedan así proyectadas las huellas del país de Nunca Jamás que tal vez nunca hemos querido dejar atrás. Victoria Arribas Art Curator Decía Bob Dylan “te dejaré entrar en mis sueños si me dejas entrar en los tuyos”. Nosotros entramos en los de Xavi Carbonell sin preguntar y por supuesto, sin dejarle entrar en los nuestros. ¿Con qué sueña un artista? o mejor, ¿cómo sueñan los artistas? En el caso de Xavi, parece que sus fantasías toman tintes monocromos, pero probablemente, los sueños sean así. Además, cabría preguntarse: ¿cómo soñamos, en color o en blanco y negro? Símbolos, elementos lineales que poco a poco van inundando el espacio, tal vez jugando con la ilusión, tal vez buscando un sentimiento de libertad… pero no seré yo quién interprete los sueños, pues eso es cosa de sabios. Lo que está claro es que todos soñamos, por lo general dormidos, aunque también despiertos. Y como este tema es harto complicado y no es mi intención generar debates inanes, me limito a citar la famosa síntesis de Calderón de la Barca, “la vida es sueño y los sueños, sueños son”. Victoria Arribas Art Curator
Carrasco, Marcos (0)
Madrid, 1959 ¿Pintar… porqué pintar? Por pura pasión y necesidad. Allá por 1977, cuando la movida madrileña se desperezaba, hice mi primera exposición, junto a Ceesepe, Montxo Algora y El Hortelano. Más tarde me convertí en pintor licenciado en Bellas Artes por la complutense de Madrid. Recorriendo después medio mundo exponiendo, en Chicago, Fort Wyne y Miami (EEUU), Bruselas (Bélgica), Rótterdam y Shiedham (Holanda), Shanghai Art Fair (China), Pissa (Italia) y en España por las ciudades de Madrid, Alicante, Castellón, Granada, Zaragoza, Valladolid, Sevilla, Tarragona… Mi obra está en numerosas colecciones particulares y fundaciones como Newman Assotiations con ”The Abstract Mind Mural”, y Aldo Castillo Fudation, ambas en Chicago, EEUU, también en la Biblioteca Nacional de Madrid. También en “La Memoria del laberinto” Tributo a Miguel Hernández, Elche, Alicante. Actualmente trabajo en Madrid, e investigo en las nuevas tecnologías digitales aplicadas a la pintura, donde fusiono tradición y vanguardia. Soy ilustrador para los realizadores más importantes en el cine, tanto en largometrajes como en publicidad. Participo con la sección “El taller del pintor” del prestigioso programa de radio La Escóbula de la Brújula, dirigido por Jesús Callejo, divulgando las curiosidades del arte de todos los tiempos. Ver video exposición en Casa de Cantabria. Madrid, Mayo 2017
Castrortega, Pedro (0)
Piedrabuena, 1956 La obra de Pedro Castrortega, pretende universos propios personales, ubicados en el tiempo en el que vive, pero desvinculado de haceres-modas, de dicho tiempo. Castrortega recurre a su infancia, de familia de campesinos y cazadores, recorre un camino que le lleva a viajar por el Mundo, consiguiendo becas tan importantes como la de Asociación J. William Fullbright. New York. o la Cite international de las Artes de Paris. Vive en Paris, Berlín, Nueva york, Madrid... busca en las nuevas maneras de expresión su lugar, pero sin dejar el norte que le guía, que no es otro que la necesidad de contar su propia historia. Le interesa el hombre en relación con el resto de los seres vivos, la ubicación en un universo compartido, de lucha de subsistencia, de ternura, o de destrucción... Todos somos parte de todo, lo físico o lo espiritual están en un estado paralelo al que pretende dar forma, provocar inquietud, porque nada es lo que parece, o sí, y es necesaria la introspección, lo intangible, quizás lo mágico... para que la pintura, el objeto artístico aspire a la pretensión de excelencia (ARTE). Recurre a la metafísica, para ir más allá de lo obvio. Pinta animales que a su vez son humanos, peces que pretenden volar, seres que buscan una salida hacia su propio encuentro. Lo hostil se cruza con lo tierno, en un lugar donde la poesía y el desgarro conviven. Retrata lo ideado para entregarnos siempre una duda, un ¿por qué ?, cómplice de la mirada, que como dice él mismo:" después de mirar un trabajo mío se me respeta o se me entrega a la hoguera, pero si es una cosa como la otra, defiendo la complejidad del que busca por necesidad, no quiero complacer a nadie, quiero sentir con los demás, si es posible." Licenciado en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, ha expuesto en múltipes galerías internacionales.Galería Estiarte, Madrid.Galería Bretón. Valencia.Galería Antonia Puyó, Zaragoza. Galería Adriana Schmidt, Stuttgart, Colonia. Alemania.Galería Max Estrella (Madrid).Galería D´Museo. (Caracas / Venezuela).Espacio Caja de Burgos.Galería Bach Quatre (Barcelona).Galería Aural (Alicante).Galería La Caja Negra (Madrid).Galería IsabelIgnacio (Sevilla).Galería Bach Quatre (Barcelona).Galería Luca Carrieri. Berlin.Galería Gema Llamazares. Gijón.White Box. Nueva York.Poço do Obispo. Lisboa.Galería Armaga. León.Galería Theredoom. Madrid. Artrium UBS (Ginebra-Suiza). Instituto Cervantes (Chicago)... Pedro Castrortega está representado en numerosas colecciones públicas y privadas. Ayuntamiento de Piedrabuena. Ateneo de Madrid. Biblioteca Nacional. Calcografia Nacional. Colección ABC. Colección Ericsson. Colección Iberia. Colección PHilips. Colección BBVA. Comunidad de Madrid. Comunidad Castilla la Mancha. Comunidad de Valencia. Congreso de los Diputados. Colección Spaarkasse. Colección Fulbrighte. Banco Hipotecario. Fundacion AENA. Casa Real. Museo Reina Sofia... Ha participado en numerosas ferias internacionales. Art Lisboa. Art Madrid. Art Chicago. Art Miami. Art Kóln. ARCO. Fiac. Palm Beach. Fia. Art Basel. Estampa. Feria internacional de Buenos Aires...
Ciria, José Manuel (0)
Manchester, 1960 José Manuel Ciria nace en Manchester el 3 de Febrero de 1960, de padres españoles (Santiago y Gloria), permanece en Inglaterra hasta la edad de los ocho años; momento en que sus padres deciden regresar a Madrid. Ciria empezó a destacar desde su infancia en su facilidad para el dibujo y la pintura, y después de pasar por varias escuelas y los talleres del Círculo de Bellas Artes, a la edad de 17 años ingresa en la Facultad de Bellas Artes de Madrid. En segundo de carrera Ciria decide abandonar sus estudios y a afirmarse como autodidacta. En 1994 obtiene la Beca de París del Ministerio de Cultura y en 1995 la Beca de Roma otorgada por el Ministerio de Asuntos Exteriores. En el año 2001 le es concedida una beca por el Ministerio de Cultura y Ciencia de Israel para preparar dos exposiciones en Museos de Tel Aviv. La biografía profesional de Ciria está también jalonada por numerosos premios: XXIII Premio Ciudad de Alcalá, Alcalá de Henares; Plástica Contemporánea Vitoria-Gasteiz, Vitoria; III Concurso Internacional de Pintura, Fundación Barceló, Palma de Mallorca; XIII Certamen Nacional “Ciudad de Alcorcón”, Madrid; V Bienal de El Cairo, (Primer Premio Medalla de Oro Jurado Internacional); Primera Mostra Biennal d’Art d’Alcoi; V Certamen Nacional de Pintura Iberdrola-UEX, Cáceres; Premio Nacional de Pintura IV Centenario Colegio de Abogados de Madrid; VI Certamen Nacional de Dibujo Fundación Gregorio Prieto, Valdepeñas; Salón de Otoño de Pintura Real Academia Gallega de Bellas Artes, La Coruña; XXIV Certamen Nacional Caja de Madrid; XIV Certamen Nacional de Pintura. Ayuntamiento de Azuqueca de Henares, Guadalajara; II Trienal Internacional de Arte Gráfico de El Cairo, (Primer Premio Jurado Internacional); XXI Salón de Otoño de Pintura de Caja de Extremadura, Plasencia; LXVI Salón de Otoño. Asociación Española de Pintores y Escultores, Madrid, (Premio Extraordinario “Reina Sofía”); II Bienal de Artes Plásticas Rafael Botí, Córdoba; LX Exposición Nacional de Artes Plásticas de Valdepeñas, (Primer Premio – Primera Medalla de la Exposición); VI Mostra Unión Fenosa, La Coruña; I Certamen de Pintura Fundación Nicomedes García Gómez, Segovia; Premio Nacional de Grabado Museo del Grabado Español Contemporáneo (MGEC), Marbella; Revista Wallpaper (Primer Premio Internacional a la mejor decoración de Iglesia). José Manuel Ciria es uno de los artistas más destacados de su generación y una figura central en el heterogéneo panorama de la pintura española de las tres últimas décadas. Desde que en 1984 realizara su primera muestra individual en la galería parisina La Ferrière, Ciria ha trazado una amplia trayectoria jalonada por numerosas exposiciones y premios. En los últimos años, su figura ha adquirido una amplia proyección internacional a través de sus muestras individuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Herzliya en Tel Aviv, Israel (2002), Museo Estatal Galería Tretyakov en Moscú, Rusia (2004), Museo Nacional de Polonia, Varsovia (2004), Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez en Zacatecas, México (2005), Kunsthalle Museo Centro de Arte PasquArt en Berna, Suiza (2005), Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán en Mérida, México (2006), Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina (2007), Museo de Arte Contemporáneo de Santiago de Chile (2009), Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) (2010) entre otros muchos espacios museísticos. Tras una primera etapa ligada a una figuración de carácter expresionista, José Manuel Ciria estabiliza a principios de los años noventa la principal clave poética abstracta: el diálogo entre el fluir azaroso de la mancha y el rigor de la geometría, lo que supondrá la redefinición crítica de las dos herramientas fundamentales de la estética abstracta del siglo XX. A esta primera clave pronto se sumará el interés del artista por la diversidad de los registros iconográficos así como su infatigable labor de experimentación en el terreno de los materiales y los soportes. A partir de la combinatoria de todas las posibilidades y sustentado por una sólida reflexión conceptual, José Manuel Ciria elaborará a lo largo de los años noventa numerosas series cuyos principales ejes temáticos serán el tiempo y la memoria. La nueva etapa que Ciria inició en Nueva York a finales del año 2005 supuso un punto de inflexión en su producción, traducido en un proceso de enfriamiento pictórico a partir de la recuperación de la línea como armazón compositivo y la consecuente estabilización de una iconografía ambigua, a medio camino entre lo figurativo y lo abstracto. En sus trabajos más recientes, el artista recupera e intensifica ahora los dos extremos de su vocabulario abstracto: la mancha se vuelve más libre, intensa y dramática, mientras que la geometría del fondo acentúa su rigor constructivo.El influyente crítico norteamericano, Donald Kuspit, ha dicho de la obra de Ciria: «Me aventuraré a afirmar que José Manuel Ciria es un gran pintor, con ello me refiero a que tiene un dominio absoluto de su medio de expresión y de sus herramientas, la pintura y el vocabulario modernista de la abstracción, tanto gestual como geométrica (…). Observamos claramente un fuerte elemento de fantasía en las pinturas de Ciria, tal como muestran sus figuras: llamémosle ¿ilusionista abstracto?, esto es, crea figuras fantásticas partiendo de elementos abstractos, normalmente de planos gestuales que parecen estar en constante movimiento, sugiriendo así una figura en pleno proceso metamórfico».
Clavé, Antoni (0)
Barcelona, 1913-2005 Fue un pintor, escultor y artista gráfico de gran relevancia dentro del panorama artístico español contemporáneo. Tras finalizar sus estudios en la Escuela de Arte de Barcelona, comienza su labor como cartelista y destaca principalmente en el cine. La obra de estos años se caracteriza por la exaltación cromática. Al finalizar la Guerra Civil española, en la que combatió como republicano, se exilia a Francia donde comienza su carrera como ilustrador y decorador de teatro. Sus composiciones recuerdan a las de Pierre Bonnard. A diferencia de otros artistas de la misma generación, su obra no se puede clasificar dentro de un estilo determinado, aunque posee unos rasgos que serán constantes a lo largo de su obra: el gesto, la materia y el color. Tres elementos que se presentarán alternativamente dentro de una estética informal, figurativa o abstracta. En 1955 entabla relación con el crítico y poeta Manuel Conde. Con él viaja a París e Italia y entra en contacto con las corrientes artísticas del momento. A partir de ahí, su obra se orienta hacia la abstracción informalista. En 1957, funda junto a otros artistas el grupo "EL PASO", que supone una renovación para la pintura española.
Conesa, Fátima (0)
Algeciras, 1977 La artista andaluza utiliza la pintura y la gráfica para crear un lenguaje propio de signos en un proceso de investigación que lleva a la confusión y a la desaparición de los límites entre las disciplinas artísticas, habitualmente en el marco de la instalación, y en un lenguaje que se debate entre la figuración y la abstracción. Licenciada en Bellas Artes en la especialidad de pintura por la Facultad de BBAA de Sevilla compatibiliza su actividad artística con la docente en su taller de grabado. Ha impartido clases de grabado en la Facultad de Bellas Artes de Bilbao y en la Fundación CIEC. Ha obtenido Becas de formación en Fig Bilbao Casa Falconieri, Fundación CIEC y la Beca Creación Gráfica Joven Artista Andaluz. MGEC. En 2015 obtiene el II Premio de Grabado José Caballero. 2013 Premio en el Certamen Andaluz de Artes Plásticas, Instituto Andaluz de la Juventud. 2012 Primer Premio III Bienal de Grabado Aguafuerte, Valladolid. Primer Premio 21º Certamen Joan Vilanova de Manresa. Mención de Honor XIII Premio de Grabado San Lorenzo del Escorial. Finalista V Certamen Ladrús de Grabado. 2011 Premio Corzón XVIII Premios Nacionales de Grabado, MGEC. 2008 Primer Premio XI Concurso Grabado Alcalá de Guadaira. 2007 Accésit XV Premios Nacionales de Grabado. MGEC. Finalista Premio de Grabado José Hernández. Su obra ha sido seleccionadaen diferentes certámenes y concursos como en el Premio Internacional de Grabado Máximo Ramos 2015, Certamen Internacional de Grabado Carmen Arozena 2013, VII Premio de grabado Dinastía Vivanco IV Premio Internacional de grabado Atlante, VI Premio de Grabado Ciudad de Orduña, Premio de Grabado Galería Nuevo Arte, Certamen Arte Gráfico para Jóvenes Creadores de la Calcografía Nacional, Certamen de Artes Plásticas Sala El Brocense. Las últimas exposiciones individuales han sido en la sala UFCA, Cavilla Gallery Gibraltar, Galería Brita Prinz, Sala Rivadavia de Diputación de Cádiz, Galería Yolanda Ochando, Galería NuevoArte, Sevilla y Museo del grabado Cotemporáneo de Marbella Ha participado en exposiciones colectivas en “Diplomatic Art”, Rumania, FiG Bilbao, “TransArtlántica”, XIV Edición del Festival Internacional de las Artes San José de Costa Rica y MuHar, Montevideo. “Museo Nívola, Cerdeña. “The next Genaration, Festival della Creativitat”, Spazio Giovani Roma Capitale, Atelier MACRO Roma, Fiart Madrid.
Corazón, Alberto (0)
Madrid, 1942-2021 Nace en Madrid, en 1942. Realiza sus primeros trabajos en 1965, diseñando productos editoriales y de cartelería. Es todo un referente del diseño, si bien sus inquietudes artísticas lo han llevado a explorar otros campos: ha sido diseñador industrial, editor, pintor y escultor. Es el creador de la imagen gráfica de importantes empresas e instituciones, como Anaya, ONCE, Círculo de Bellas Artes, Fundación MAPFRE, Cercanías de RENFE o el teléfono Domo de Telefónica, entre otras muchas. Hombre comprometido con su profesión, en 2006 es elegido miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, lo que introdujo por primera vez el diseño como disciplina en la academia. Es también autor de numerosos estudios en torno al mundo del arte y el diseño.
Cruz-Díez, Carlos (0)
Caracas, 1923 Artista franco-venezolano, Carlos Cruz-Diez (Caracas, 1923) vive y trabaja en París desde 1960. Es uno de los protagonistas más relevantes del arte óptico y cinético, corriente artística que reivindica "la toma de conciencia de la inestabilidad de lo real” . Sus investigaciones lo revelan como uno de los pensadores del color del siglo XX. El discurso plástico de Carlos Cruz-Diez gravita alrededor del fenómeno cromático concebido como una realidad autónoma que evoluciona en el espacio y en el tiempo, sin ayuda de la forma ni del soporte, en un presente continuo. Las obras de Carlos Cruz-Diez se encuentran en prestigiosas colecciones permanentes como las del: Museum of Modern Art (MoMA), Nueva York Tate Modern, Londres Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris Centre Pompidou, París Museum of Fine Arts, Houston Wallraf-Richartz Museum, Colonia En mis obras, el color aparece y desaparece en el transcurso del diálogo que se genera con el espacio y el tiempo real. Simultáneamente, aparece de forma incuestionable el hecho de que la información adquirida, así como los conocimientos memorizados en el transcurso de nuestra experiencia vital, no son, probablemente, ciertos… al menos parcialmente. Es posible, además, que gracias al color, abordado a través de una “visión elemental” desprovista de significaciones preestablecidas, podamos despertar otros mecanismos de aprehensión sensibles más sutiles y complejos que los impuestos por el condicionamiento cultural y la información masiva de las sociedades contemporáneas.
Dalí, Salvador (0)
Figueres, 1904-1989 Nació el 11 de mayo de 1904 a las 8,45 de la mañana en el pueblo de Figueres, Girona. Bautizado como Salvador, Domingo, Felipe, Jacinto Dalí, hijo de Salvador Dalí i Cusí, notario, y Felipa Doménech. Nació nueve meses y diez días exactos después de enterrado un primer Salvador Dalí, su hermano, de quien escribió que se parecían "como dos gotas de agua". Su hermano primogénito murió por una meningitis cuando sólo contaba siete años. El nombre que le pusieron, Salvador, es el mismo que tenía su hermano muerto. Fue un niño caprichoso, mimado y consentido en quien sus padres volcaron afecto y atenciones de una forma un tanto compulsiva debido a la temprana muerte de su hermano. Su infancia se caracteriza por ataques de ira contra sus padres y actos crueles contra sus compañeros de escuela. Durante una larga convalecencia pasada en El Molí de la Torre, una finca cerca de Figueres propiedad de la notable familia Pichot, Dalí descubrió la pintura. Allí realizó, con un absoluto desconocimiento técnico, sus primeros cuadros (óleos y acuarelas) de los que no queda rastro alguno, pero que impresionaron a quienes tuvieron ocasión de verlos. Fueron los Pichot quienes aconsejaron a Dalí que siguiera cursos de aprendizaje. El niño enfermo es el título de su primer autorretrato, realizado a la edad de diez años. Poco después comenzó su primer curso de dibujo con Juan Núñez de quien aprendió el uso del claroscuro y le introdujo también en las técnicas del grabado. Las obras de Dalí son conocidas por un importante trato de los detalles, a los que da mucha luz y color. Su madre murió en 1921 de cáncer de mama. Dalí tenía solo 16 años y se vio gravemente afectado por la muerte de su madre. Fue admitido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) en 1921, de la cual fue expulsado, acusado de subversión anarquista; fue arrestado y pasó un corto período en la cárcel, en Girona (1923). Su primera exposición individual en Barcelona se celebró en noviembre de 1925. Tras ser readmitido, fue definitivamente expulsado en 1926 por su excentricidad. Se cuenta que cuando en un examen le pidieron que hablase sobre Rafael, Dalí respondió al tribunal: "Me es imposible hablar de ese sujeto delante de los tres profesores, porque yo sé mucho más sobre Rafael que todos ustedes reunidos. Al año siguiente conoció a Picasso en París, y se unió al grupo surrealista en el barrio parisino de Montparnasse. A pesar de ser uno de los más famosos artistas surrealistas de todos los tiempos, fue expulsado de la sociedad oficial surrealista en 1934. En Londres, Stefan Zweig le presentó a Sigmund Freud. Amigo de Luis Buñuel y Federico García Lorca a los que conoció en Madrid en 1923. José Bello dijo hablando de cuando Dalí llegó a la Residencia de Estudiantes, a los 18 años, "era una persona enferma de timidez". Con Buñuel realizó la escenificación de "Un perro andaluz" y colaboró, en una segunda etapa, en L'age d'or. En cambio, con García Lorca tuvo una amistad muy íntima, como lo prueba la apretada correspondencia mantenida entre 1925 y 1936. Hasta ese momento, Dalí no había amado a nadie de esta forma. Durante su servicio militar (1927) Dalí realiza Cenicitas, su primera obra "daliniana" en la que afloran sus recuerdos-fantasmas. Durante sus años en París, adquirió las características del surrealismo en 1930. Sus obras en este periodo se inspiran en las teorías de Freud. Dalí conoció en 1929 a Helena Diakonova, más conocida como Gala, hija de un abogado ruso y compañera del poeta surrealista Paul Eluard. La vio por primera vez en la terraza del hotel Miramar, en Cadaqués, junto a su marido. Quedaron en encontrarse a la mañana siguiente, en la playa. Dalí decidió prepararse para el encuentro de una manera totalmente simbólica. Se arremangó la ropa para hacer resaltar el bronceado. Se puso al cuello un collar de perlas y en la oreja un geranio rojo. Se hirió al afeitarse la axila y se embadurnó el cuerpo con su propia sangre, a la que agregó una mixtura de cola de pescado, estiércol de cabra y aceite. El matrimonio con Gala ofende a su familia, quien lo desaprueba por ser una madre y 10 años mayor que Dalí, que fue desheredado por su padre. Eluard fue uno de los testigos en su boda. Pocos meses después, profundamente enamorados, se van a vivir juntos. Desde aquel momento. Gala será para Dalí amante, amiga, musa y modelo (aparece por primera vez de perfil, en "El gran masturbador", de 1929). En 1932 Dalí presenta su obra La persistencia de la memoria, en la primera gran retrospectiva surrealista que se celebra en Nueva York: es el principio de su espectacular éxito. A partir de 1936, junto a Gala, abandona su residencia en Cataluña. Desde 1940 hasta 1948, Dalí vivió en Estados Unidos. Allí realizó sus últimas obras, la mayoría de ellas de aspecto religioso, como La Crucifixión o La última cena (1955, National Gallery, Washington). Dalí fue el representante más popular del surrealismo y es reconocido mundialmente por su obra repleta de imágenes oníricas. El artista dejó huella en el mundo de la ilustración y del grabado, realizó una notable cantidad de esculturas y de joyas, dejó también su obra en el mundo escénico a través de la creación de ballets, escenografías y vestuario para óperas; sin olvidar sus aportaciones, de importancia decisiva, en el mundo del diseño, de la publicidad y del cine. Para la película "Recuerda" de Alfred Hitchcock, el artista diseñó los decorados. El 1 de abril de 1970 anuncia la creación de un museo en Figueres, que abrió sus puertas cuatro años más tarde. En diciembre de 1979 una primera gran exposición antológica se inauguraba en el centro Georges Pompídou de París. A los pocos. días se hacían públicas las desavenencias con Gala y empezaba el conflicto de los derechos de autor y de las falsificaciones. En la comunidad artística, era conocido por su amor por hacer dinero. Debido a esto se le llamaba despectivamente "Avida Dollars" por su codicia. Escribió algún libro autobiográfico como La vida secreta de Salvador Dalí. Se casó con Gala, esta vez católicamente, en Sant Martí Vell, Gerona, el 8 de agosto de 1958. La pareja contrajo matrimonio civil en la ciudad de París en 1934. El 23 de enero de 1989, falleció en el hospital de Figueres a los 84 años de edad a consecuencia de un paro cardiaco, después de haber sufrido una larga agonía. Su cadáver es embalsamado y enterrado en una tumba bajo la cúpula geodésica que domina su museo en la misma localidad.
De Felipe, Antonio (0)
Valencia, 1965 Su vocación por la pintura le viene desde niño y por unos padres que le impulsaron a estudiar en la facultad de Bellas Artes de Valencia. Durante la carrera y durante ocho años trabajó en la publicidad, lo que ha dejado plena huella en su estilo y, en cierta manera, sigue practicando ese oficio al colaborar en el diseño de dominicales de periódicos y revistas o realizando cortinillas de continuidad para una cadena de televisión o diseños para vajillas. Al comienzo de los noventa comienzan sus primeras exposiciones, contándose actualmente como realizadas más de setenta de forma individual y otras tantas de forma colectiva, tanto en España como el extranjero (Alemania, Italia, Suecia o Corea). Su obra se organiza en torno a series temáticas, creando en cada una de ellas uno o varios iconos mágicos que a partir de su creación han servido para difundir su talento, pero también para que le salgan muchos imitadores y copistas. De entre sus series más importantes podríamos citar: MENINAS (1988-1991), donde las figuras femeninas de los cuadros de Velázquez, fotocopiadas a gran formato, eran transformadas en una estética colorista pop. MADONNAS (1991-1992). Vírgenes, niños y ángeles del Renacimiento y del Barroco, Murillo sobre todo, reinterpretadas en clave de De Felipe. LOGOTIPOS (1993-1996), dedicada al mundo del arte y de la publicidad, con obras como al "In-fanta de naranja" o “El Buen pastor con Norit". ROSTROS (todas las épocas, pero sobre todo 1997). Retratos de artistas, empresarias, actrices y hasta del mismo príncipe Felipe. VACAS (1995-1996). Fue su primera gran exposición, precisamente en la Casa de Vacas del Retiro, con cuadros como la "Vaca Top Model (Vogue)" o la escultura "Vaca Coca Cola". Su gran éxito mediático y sus modelos escultóricos dieron lugar a nivel internacional a la idea de las cowparade. THE SYMBOL COLLECTION (1999-2003), dedicada a la publicidad y a sus logos. CINEMASPOP (2002-2003), centrada en el mundo del cine y en la que rescató a la deliciosa Audrey Hepburn como icono pop, con creaciones tan conocidas como "Black Audrey" o "Desayuno con diamantes para la eternidad". También están aquí su particular homenaje a Marilyn, Bogart o la Guerra de las Galaxias. POPSPORT (2006-2009), su penúltimo trabajo, dedicada al mundo del deporte, en la que el artista mezcla de forma inverosímil el mundo del arte y los dibujos animados con alusiones a distintas disciplinas deportivas, como en "La Menina de Cibeles". Técnica. Trabaja varias técnicas. - La serigrafía. - la escultura con materiales como cartón-piedra pintado (vacas) y poliéster y fibra de vidrio. - los cuadros, fundamentalmente los realiza con acrílicos sobre lienzo con pinceles de formatos variados. El acabado técnico es muy pulcro. No así las camisetas del artista, que mientras trabaja no utiliza trapo y limpia los pinceles que utiliza en su camiseta.
Fega, Luis (0)
Piantón, 1952 Considerado uno de los mejores artistas españoles de su generación, Luis Fega (Piantón, Vegadeo, 1952) continúa explorando con una energía inusual los misterios de la sublimación del color y la fuerza de los gestos que surcan sus telas, collages o ensamblajes. Admirado por la crítica y el coleccionismo, ha formado parte de importantes colectivas de referencia internacional y hoy sigue concentrando en su taller alternando las transparencias y la síntesis de espacios, bajo esa acción de pintar casi innata que atesora raíces paisajísticas y juegos geométricos que asumen el arte como una exploración tan estética como ética. Es un autor que anhela la sublimación plástica y las emociones mediante trazos amplios que desgarran el soporte, desarrollando veladuras sobre fondos que simulan extensas marejadas, obras posibles cuando existe un equilibrio pleno entre la voluntad y el compromiso, entre la dimensión poética y ese algo más impredecible que nos inquieta. Es el acto de pintar transformado en una investigación analítica, rigurosa e inteligente sobre la naturaleza de la propia pintura.
Feito, Luis (0)
Madrid, 1929-2021 Pintor español, miembro fundador del grupo El Paso. Su estilo evolucionó hacia la abstracción, con una pintura armónica, de un refinamiento estético algo alejado de la violencia expresiva del informalismo. Parte de su obra se encuentra en el Museo Español de Arte Contemporáneo, en el de Arte Abstracto de Cuenca y en los museos de Japón, Helsinki, Ottawa, Roma, París y Nueva York. En 1995 mostró su obra en la galería Jorge Mara de Madrid. Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, en la que ingresó en 1950 y de la que sería profesor de dibujo desde 1954. Pensionado por el Gobierno francés, se instaló en París en 1956. Al año siguiente fundó junto a Saura, Rivera, Viola, Canogar y Millares, entre otros, el grupo El Paso. En 1981 abandonó París y se estableció en Montreal (Canadá) hasta 1983, fecha en la que fijó su residencia en Nueva York. Su trayectoria artística, que inició desde el figurativismo, pasó por una etapa cubista y culminó en la abstracción hacia 1953. Influido por el automatismo y la pintura matérica, introdujo la arena en sus óleos, que mezcló con ocres, blancos y negros. A partir de 1962 unió a esta gama de colores el rojo, que desde entonces incorporó a sus producciones como contrapunto; en la simplificación formal y material de sus composiciones predominaron las formas circulares. Durante la década de 1970 se produjo un acercamiento a la geometrización, aproximación que se hizo plena a partir de 1975. Luis Feito realizó su primera exposición en la Galería Fernando Fe (Madrid, 1954) y desde entonces presentó sus trabajos en numerosas muestras individuales y colectivas, tanto en España como en el extranjero (Estados Unidos, Alemania, Italia, Francia y Japón, entre otros países). Su obra, que se halla actualmente expuesta en los principales centros de arte contemporáneo de todo el mundo, se vio tempranamente reconocida en la I y II Bienal de Arte Mediterráneo (1955 y 1956), y ha merecido multitud de galardones y premios internacionales.
Feo, Luis (0)
Toledo, 1975 Vive y trabaja en Barcelona. Luis Feo estudia en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y desde 1998 ha participado en diversas exposiciones colectivas, dentro y fuera de nuestro país. Ha participado en Swab (Barcelona), Art Fair (Colonia), Cross Road (Londres), Gabinete (Madrid), DrawindRoom (Madrid), Kunst Rai Art (Ámsterdam). Primer premio en el LII Premi Internacional de Dibuix, Ynglada Guillot, Barcelona. En su obra podemos apreciar una visión personal e íntima, plasmada con una elaborada y minuciosa técnica, donde el grafito es la materia prima principal y el Papel Piedra su soporte. Su dominio del grafito es comparable al de los grandes maestros del realismo contemporáneo.
Fernández Santos, Raquel (0)
Madrid, 1957 “El trabajo que desarrollo se basa en la búsqueda del dialogo entre la Masa y el Vacío, ejecutando composiciones geométricas trabajados en distintos tipos de aceros, corrugados, inoxidable, corten… y dándoles diferentes acabados, pintura, óxido, brillo… Materiales y acabados que partiendo de la GRAN MASA se descomponen y aligeran hasta la abstracción de la línea y el vacío. Así, la Materia y el Espacio compiten por la Luz”
Fraile, Alfonso (0)
Marchena, 1930-1988 Alfonso Fraile era uno de los integrantes más representativos de esa generación difícil de la pintura española que planteó, en la primera mitad de los años sesenta, una vía de reacción frente al horizonte del informalismo y que, con grupos como Hondo o el Nuevo Espacialismo, en el que se integraría el propio Fraile, forman la llamada nueva figuración que cumple un importante papel en la redifinición de la vanguardia española.Pero Alfonso Fraile ha sido, ante todo, un corredor solitario y mordaz que se labraría, a lo largo de la pasada década, una de las identidades más potentes de nuestro panorama figurativo. La hirviente y desgarrada ironía que anima los personajes de Fraile nace de una visión del mundo que el pintor traduce inicialmente a través de un sentido muy espontáneo del dibujo, y que después densifica a través de un sensual y muy rico tratamiento pictórico. La concesión del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1983, venía, a reconocer el peso incuestionable de su figura, pero coincidía también con un punto esencial de cambio en la evolución del artista, que abría las puertas a esa sobrecogedora y febril madurez que la pintura de Fraile nos ha regalado en los últimos años. Ya enfermo, Fraile reaccionaría en una lucha contra el tiempo que obtiene su fruto en ese impresionante cruce de impetuosa espontaneidad y sordo dramatismo que ha hecho de los ciclos de los últimos años una de las sorpresas más candentes. Perdiéndole el respeto a la pintura, como el mismo Fraile apuntaría, pocos casos son comparables, entre nosotros, a esa forma pasional y directa de enfrentarse a la tela, destilando, en esa misma y libre inmediatez, una inagotable sabiduría e inventiva pictóricas. Desde su muestra de la galería Theo de 1983 a las fascinantes y demoledoras series presentadas en el Museo Español de Arte Contemporáneo o en su última exposición de la galería Soledad Lorenzo, la tierna e incisiva mordacidad de Alfonso Fraile ha sido, para cuantos somos cómplices de esta pasión que se llama pintura, una de las experiencias más abismales que nos ha deparado, pese a todo, el tiempo.
Gayarre, Cristina (0)
Madrid, 1975 Cristina Gayarre, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid desde 1999, en la especialidad de Grabado. Ha realizado cursos con Paco Aguilar, Julio León, Manuel Ayllón y Yoko Kataoka. Actualmente reside en Madrid, donde trabaja en su obra, centrándose en las técnicas del grabado, la acuarela y el collage. Lleva 18 años realizando exposiciones tanto individuales como colectivas, destacando su participación en ferias como Estampa en Madrid, FIG (Festival Internacional de Grabado de Bilbao) o Affordable Art Fair en distintas ciudades como Hong kong, Londres, Estocolmo, Paris o Nueva York.
Genovés, Juan (0)
Valencia, 1930-2020 Formado en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, desde el inicio de su trayectoria profesional fue un pintor inquieto y preocupado tanto por la necesidad de renovar el arte español como por la función del arte y el artista en la sociedad. Su firme convicción sobre el arte transformador y comprometido con el entorno le llevó a formar parte de colectivos muy significativos en el panorama español de postguerra: Los Siete (1949), Grupo Parpalló (1956) y Hondo (1960). En este último grupo, que supuso nuevos planteamientos figurativos frente al informalismo, Genovés desarrolló una pintura de carácter expresionista y provocador. En la década de los sesenta, tras una breve crisis pictórica y una relación profunda con los movimientos de oposición al régimen franquista, comenzó a plantear dos temas: el "individuo solo", resuelto inicialmente como un "collage" en relieve, y la "multitud", tratado con tintas planas y estructuras plásticas de aspecto cinematográfico. Esta última propuesta se concretará con el tiempo en un singular realismo político de fuerte denuncia social, confeccionado a partir de la manipulación de imágenes proporcionadas por los medios de comunicación de masas. En los años ochenta inició un nuevo periodo en el que se interesó por el paisaje urbano, reduciéndolo a una gama cromática de grises, azules y ocres que constituyen lo que se ha dado en llamar "espacios de la soledad". Ha sido galardonado, entre otros, con la Mención de Honor (XXXIII Biennale di Venezia, 1966), la Medalla de Oro (VI Biennale Internazionale de San Marino, 1967), el Premio Marzotto Internazionale (1968), el Premio Nacional de Artes Plásticas de España (1984), el Premio de las Artes Plásticas de la Generalitat Valenciana (2002) y la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, Ministerio de Cultura (2005).
Gil, Julián (0)
Logroño, 1939 De 1954 a 1958 estudia en la Escuela de Artes y Oficios de Logroño. De 1958 a 1963 estudia en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.. De 1963 a 1965 es Profesor Becario de la Escuela Oficial de Cerámica de Madrid. De 1966 a 1982 es Profesor no numerario de Análisis de Formas en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid. También desde el año 1979 es Profesor de Elementos Básicos de la Plástica en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, de la que actualmente es Profesor Titular. En 1986, Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, con el trabajo de tesis "Constructivismo en Madrid". Durante los años sesenta participa en el Grupo "NUEVA GENERACION", formado por su creador Juan Antonio Aguirre y por Luis Gordillo, J.Luis Alexanco, J. Mª Yturralde, Pedro Garcia Ramos, Elena Asins, Manuel Barbadillo y otros. A partir de los ochenta forma parte de lo que denominó "No Grupo de Madrid", que comenzó con la exposición "Las ocho caras del cubo", Galeria Ovidio de Madrid y finalizó con la muestra ARCO`88, Galeria Soto-Mesa.
González Gómez, Manuela (0)
Salamanca, 1966 Artista plástica multidisciplinar dedicada a la pintura, grabado y dibujo. El lenguaje de sus obras es bastante personal, creando espacios imaginarios con una total libertad. Y haciendo una introspección sobre nuestra forma de vivir y los valores perdidos. Vivimos en un mundo en el que la tecnología invade nuestras vidas, preocupándonos siempre por obtener confort material y olvidándonos de la naturaleza. Licenciada en Bellas Artes, especialidades grabado y pintura por la Universidad Complutense de Madrid. Su obra ha sido seleccionada y expuesta en diferentes certámenes nacionales e internacionales como: Certamen de arte joven de la Junta de Castilla y León, Salamanca, 1992. Concurso de pintura y escultura de la U.C.M ,1998. 1ª edición Premio Joven 98 de Artes Plásticas , Madrid. Premios Villa de Madrid 1999. Certamen Nacional de Artes Plásticas ”Villa de Brunete”1999, 2000. Salón de Otoño Madrid 1999, 2000, 2002, 2003, 2004. Premio de Grabado Ciudad de Lleida, 2006, 2008, 2010. Premio Nacional de Litografía, Gijón. Certamen ”Francisco Revelles” de Dibujo y Grabado 2012. Mini Print Internacional de Cadaqués. Itinerante, Cadaqués, Barcelona, Francia, Reino Unido 2013, 2014, 2015,2016,2017,2018,2019, 2020, 2021,2022, 2023.Premio de grabado “San Lorenzo del Escorial”, 2014, 2015,2017, 2021, 2022. Premio Internacional “Villa de Cebreros”, 2014. Premio Internacional Atlante, La Coruña 2015, 2016,2018, 2021,2022,2023. Certámen de arte gráfico para jóvenes creadores. Calcografía nacional. Madrid 2016, 2017 ,2018,2019, 2021. Certámen de grabado nacional José Caballero. Madrid 2017. 2023.Oppen art Barcelona 2021. Galería la maldita Estampa 2021.2021.XVII Bienal Internacional de Gravat Joset de Rivera. Xativa 2023. Ganó el Premio de grabado en el Salón de Otoño. Madrid.1999. Y le han concedido una Mención de Honor en el certamen de arte gráfico para jóvenes creadores. Calcografía nacional 2019. Su trabajo ha podido verse en distintas muestras colectivas, entre las que cabe destacar: Gráfica, Facultad de Bellas Artes de Madrid U.C.M., 1996, 1997, 1998, Gráfica 98-99, Galería Brita Prinz, Madrid. Transmilenium, Galería Ángela Sacristán, Madrid, 2001. Galería A.R.S, Madrid. Grupo Logost Centro Cultural Galileo Galilei, Madrid. Gráfica, Galería José Rincón, Madrid, 2004, 2005. ESTAMPA, Galería Centro de Arte Moderno, Madrid, 2004, 2005, 2006, 2007. 400 años de Quijote, Sala Manuel Revilla, Alcalá de Henares. Comunicarte 2005, I.E.S. Puerta Bonita. Madrid. Contrastes, Caja Madrid. Aranjuez. Impresionaarte, Edificio Crea, Zaragoza. Obra Gráfica, Biblioteca Nacional, Madrid 2008. Grabados por la Paz, México, 2014. Fig Bilbao, 2019. Galería Brecha. Gijón, 2019. Pintores ledradenses Ayuntamiento de Ledrada (Salamanca) 2022. Algunas muestras individuales como: Caja Salamanca y Soria, Béjar, 1997.Sala de Exposiciones Picasso, Salamanca1997. Caja Salamanca y Soria, Valladolid, 2000. Galería Centro de Arte Moderno, Madrid. Casa de la cultura San Lorenzo del Escorial 1019, Galería Cutto, Madrid 2021. Galería Cutto 2023. Su obra aparece en colecciones públicas y privadas: Universidad de Bellas Artes de la U.C.M., Madrid. Biblioteca Nacional, Madrid. Cristalería Saint-Gobain S.A., Fundación Vivanco, La Rioja.
González Villar, Carlos (0)
La Plata, 1949 Estudia pintura en la Facultad Nacional de Bellas Artes de La Plata y grabado en el Taller Viejo Molino en la misma ciudad. En el año 1976 fija su residencia en España e instala su taller de grabado en la ciudad de Ourense. Ha impartido cursos dentro de España y Latinoamérica, propuesto por Calcografía Nacional y otras instituciones. Expone su obra regularmente habiendo realizado 30 muestras individuales en espacios especializados en obra gráfica como Galería Tórculo y Estiarte, en Madrid, Galería CEGRAC y Fundación CIEC, en Galicia, entre otros y más de 60 colectivas. Participa como artista invitado en numerosas bienales, trienales y salones: 1990 International Triennial Graphica Creativa´90, Alvar Aalto Museum, Finlandia / 1992 seleccionado para el premio Internazionale Biella per L´incisione, Italia / 1998 2º Salón de L´estampe, Elancourt, Francia / 1993, 1995, 1996, 1997, Premio Nacional de Grabado, Calcografía Nacional, España, etc. A lo largo de su trayectoria ha recibido premios como el Especial de Grabado XXVII Salón del Museo Provincial de Bellas Artes, La Plata (1975), 1º Premio de Grabado Carmen Arozena (1990), 1º Premio de Grabado ATLANTE, Fundartes (2009), entre otros. Sus obras se incluyen en numerosas colecciones públicas y privadas: Alvar Aalto Museum, Finlandia / Biblioteca Nacional, Madrid / Fundación Deustche Stiftung / Fundación CIEC / Fundación BBVA / Cabildo de Las Palmas, etc.
Gonzalo González, Vicente (0)
Madrid, 1955 Licenciado en CC Políticas y Sociología (1981) y en Bellas Artes (1995) por la Universidad Complutense de Madrid ha participado en numerosas exposiciones y encuentros artísticos, tanto en Madrid (Galería Maes, Colegio Arturo Soria, Centro Cultural Príncipe de Asturias, Casa de Úbeda, Palacio de Gaviria, Deutschsprachige Evangelische Gemeinde, Morata de Tajuña, Hotel Amura de Alcobendas en los homenajes que se rigieron a D. Zinedine Zidane-2010, D. Vicente del Bosque-2011 y D. Jaime Lissavetzky-2012 respectivamente, Centro Cultural Alfredo Kraus, etc.), como en Guadalajara (Diputación Provincial), en Barcelona (Galería Esart) encuentro internacional donde recibió el premio de la crítica, en Ciudad Real, en Maó o en Stuttgart. Se interesó en el Constructivismo en sus comienzos, si bien, para él no representa ninguna contradicción su experiencia y penetración en el lenguaje figurativo donde lo verdaderamente significativo es la construcción sensible y no que su propuesta sea naturalista o abstracta. Ha publicado (Revista educativa el Desván del Colegio Arturo Soria) algunos artículos en los que podemos destacar “Lugares comunes y Divergencias” donde se avala su compromiso con la creación.
Gordillo, Luis (0)
Sevilla, 1934 Pintor español, una de las figuras más destacadas del arte abstracto. Sus primeras obras son informalistas; en 1958 se trasladó a París y se inició en el surrealismo; en los años setenta, tras haber pasado por el pop-art, su obra se orientó hacia registros irónicos e incorporó manipulaciones de imágenes procedentes de los mass media. En los años noventa mostró su obra en el IVAM de Valencia (1993) y en la Bravin Post Lee Gallery de Nueva York (1997). Licenciado en derecho por la Universidad de Sevilla en 1956, Luis Gordillo había alternado su carrera con los estudios de música. Entre 1955 y 1957 estudió Bellas Artes en la Escuela de Santa Isabel de Hungría en la misma ciudad. En 1958 fue galardonado en una exposición colectiva en su ciudad natal, a la que concurrió con una obra abstracta. En verano de ese mismo año marchó a París, donde entró en contacto con la vanguardia informalista internacional. En esta primera época, según las propias palabras de Gordillo, sintió “un deslumbramiento absoluto por la obra de Tàpies”, así como admiración por la obra de Millares y Canogar, componentes del grupo informalista El Paso. Sin embargo, sus obras de este periodo apenas reproducen influjos del informalismo español; se aprecian en cambio ecos de las obras de Wols, Fautrier y Dubuffet. Entre 1958 y 1959 trabajó sobre grandes superficies de papel de envolver grueso, que recubría de papeles de imprenta pegados con engrudo; en otras incluía fotos, gasas o trozos de papel húmedo y manchas espesas de óleo; asimismo realizó dibujos a tinta china. Fruto de estas primeras experiencias informalistas, presentó en 1959 su primera exposición individual en la sala de Información y Turismo de Sevilla, época en la que realizó Collage 58; después regresó a París. A partir de este momento, mediante dibujos de espirales construidos por un solo gesto, realizó series de espirales que formaban espacios-gesto o espacios-movimiento. Esta automatización del dibujo condicionaría en lo sucesivo su proceso creativo. Fundamental para entender sus comienzos es el concepto del arte como consecuencia de la angustia existencial, surgido como necesidad de sublimarla y exorcizarla. A principios de la década de 1960 experimentó una crisis personal que le llevó a abandonar provisionalmente la pintura. A la vista de los dibujos conservados, Calvo Serraller ha señalado algunas de sus características estilísticas: identificación de lo dibujístico con lo pictórico, obsesión por la creación de espacios, grafismo basado en rayados, punteados, manchas y cuadrículas, uso de tinta china con barridos de lápiz, tachaduras y raspaduras, ciertas evocaciones vagamente figurativas y presencia de signos identificables (letras, números, cruces, etc.). Si bien el proceso informalista no sirvió a Gordillo para definir su estilo personal, si fundamentó su posterior evolución. Muestra de la importancia que el automatismo ejerció sobre su pintura son sus “dibujos telefónicos”, aquellos que el artista realiza mientras habla por teléfono, y en los que trabaja el subconsciente (según Gordillo, sus mejores dibujos). A finales de 1962 retomó la práctica del dibujo automático, con referencias a elementos orgánicos y progresivamente figurativos. En las series Cabezas y Automovilistas evolucionó hacia la nueva figuración por influjo de los modelos de Bacon, Giacometti y el arte pop. En 1969 una nueva crisis le apartó de la pintura, actividad que reemprendió con su serie de “dibujos automáticos”, en los que se alejó del geometrismo de sus etapas anteriores. Por esa época la obra de Gordillo inspiraba ya a los artistas de la nueva figuración madrileña de los años 70. En 1974 preparó una exposición antológica sobre su obra en el centro M-ll de Sevilla, a la que siguió la organizada por la Dirección General de Bellas Artes en 1977. En estas exposiciones se puede apreciar su evolución, que transcurrió desde el informalismo hacia una figuración relacionada con el pop, que incluía imágenes fotográficas y derivadas del cómic. A partir de la década de 1980 se inició en su obra una etapa de mayor complejidad simbólica, con una menor incidencia de la figuración. En 1982, en la exposición Cinco por cinco en la galería Theo, presentó veinticinco pinturas pequeñas de tamaño folio que formaban un conjunto; en estas pequeñas unidades pictóricas logró espontáneamente lo que antes sólo había obtenido mediante la técnica de los dibujos automáticos. A partir de este momento trabajó en series (Verde, Roja, Oliva, Mosaico, Sobre blanco, Gruyère y Duetos) que responden a una aplicación directa de la pintura, que trata de ocupar espacios cada vez más amplios. En 1981 fue galardonado con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura. En 1986 su obra fue seleccionada para ser expuesta en el VII Salón de los 16 y un año más tarde presentó su primera exposición en Nueva York. Reconocido con múltiples distinciones y galardones, como el Premio Andalucía de Cultura (1991) y el Premio Velázquez (2007), su obra se halla expuesta en numerosos museos españoles y extranjeros. http://www.biografiasyvidas.com
Gracia, Manuel (0)
Madrid, 1964 Máster en Arte Contemporáneo (MAC) por el Instituto Superior de Arte, sus planteamientos artísticos se comprenden en un espacio íntimo donde la intuición, la emoción y la musicalidad se relacionan con el análisis y la reflexión en un sentido autorreferencial. El ensalzamiento y la transgresión de los valores del arte tradicional le sirven de base para la creación de un lenguaje contemporáneo e innovador que persigue la concepción de una obra inédita entendida como remanso visual de conceptos psicológicos y filosóficos. Ha mostrado su trabajo en exposiciones individuales y ha participado en colectivas en distintos países de Europa y de Asia y en Estados Unidos. Su obra se encuentra en instituciones nacionales y colecciones particulares de Alemania, Arabia Saudita, Bélgica, Corea del Sur, España, Estados Unidos, Francia, Hungría y Reino Unido. Ha sido galardonado con el Primer Premio 83 Salón de Otoño, Primer Premio III Salón de Verano Excma. Diputación de Cuenca, Primer Premio IX Salón de Primavera Museo de Valdepeñas, Premio Casino Gran Madrid XVI Certamen Pintura Contemporánea Rafael Botí, entre otros.
Gris, Juan (0)
Madrid, 1887-1927 Ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de la capital donde estudia entre 1904 y 1906, posteriormente asiste al estudio de José Moreno Carbonero. Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico. En 1906 viaja a París para evitar ser reclutado, instalándose en el famoso "Bateau Lavoir" donde conoció a Pablo Picasso y a Georges Braque. Los primeros años consiguió algo de dinero para mantenerse dibujando para las revistas L'Assiette du Beurre y Charavari. Las influencias de Cézanne, Picasso y Braque hicieron nacer en él el estilo cubista que le haría famoso en el mundo entero. En 1912 realiza sus primeras obras cubistas. En 1913 veraneó con Pablo Picasso en Céret, época en la que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas recortadas en papel y pegadas al lienzo). En el transcurso de la I Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde, en 1919, tuvo lugar su primera exposición individual. Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diáguilev, Les tentations de la Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), paralelamente seguía pintando. Tras 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para libros. Juan Gris falleció en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927 víctima de la tuberculosis. http://www.buscabiografias.com
Guinovart, Josep (0)
Barcelona, 1927-2007 Comenzó trabajando como pintor de murales, carteles, decoración en teatros e ilustrador de la revista del grupo Dau al Set. En 1955, tras finalizar sus estudios en París gracias a una beca del Instituto Francés, funda el grupo Tahull junto con Antoni Tàpies, Jaume Muxart, Modest Cuixart y Joan Josep Tharrats. Comienza con una etapa figurativa que evoluciona hacia una temática social y posteriormente hacia la abstracción y el informalismo. En 1957 empieza a experimentar en un estilo próximo al assemblage y al collage mediante la incorporación en sus obras de objetos como cajas, bidones, maderas quemadas o elementos de desecho. En los años 60 abandona la poesía subjetiva del informalismo y sus obras se caracterizan por el contenido expresivo que pretende transmitir mediante signos y trazos de gran colorido. A partir de 1970 incorpora materiales como el barro, la paja o el cemento y también realiza algunas obras de contenido social y político. Ejemplos de obras de estos años son "Tierra y Rastrojo" (1976) o "Piedras y Barro" (1977). En 1976 comienza su labor de grabador. En 1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas concedido por el gobierno español y en 1990 el Premi Nacional d'Arts Plàstiques concedido por el Departamento de Cultura de la Generalitat de Cataluña. Su obra se encuentra en importantes museos como: Museo de Arte Moderno de Barcelona, Museo Guggenheim de Nueva York, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de Bilbao, Fine Arts Museum of Long Island de Nueva York.
Hernández Pijuan, Joan (0)
Barcelona, 1931-2005 Cursó sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios y en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona entre 1952 y 1956. Con un estilo expresionista, expone por primera vez en 1953, y dos años más tarde consigue su primera exposición individual en el Museo Municipal de Mataró. Poco más tarde funda el Grupo Sílex. Se muda a París en 1957 donde estudia grabado y litografía. Es por esta época cuando su obra comienza a adoptar una figuración geométrica en la que solitarios elementos cotidianos aparecen solitarios fondos lisos, generalmente verdes o grises que quedan enmarcados, en algunas ocasiones, en cuadrículas. No recuperará el informalismo hasta la década de los 80. A partir de 1977 ejerce como profesor de la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi en Barcelona, donde ocupa el puesto de catedrático de pinstura a partir de 1989 y la cual le nombra decano en 1992. La obra de Hernandez Pijuan forma parte de la colección permanente del MNCARS de Madrid y se puede encontrar en muchas otras colecciones y museos internacionales como en la Marlborough Gallery de Londres, en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas en el Guggenheim Museum de Nueva York, en la National Gallery de Montreal, o en el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires. Joan Hernández-Pijuan falleció el 28 de diciembre de 2005.
Hernández, José (0)
Tánger, 1944 Se inicia de manera espontánea en las labores de la pintura mediada la década de los cincuenta. Tras un periodo relativamente breve en el que dibuja y pinta del natural, le sigue otro, acaso más fecundo, en el que se interesa por el informalismo de tipo matérico lo que le conduce a un mayor conocimiento de las distintas técnicas de la pintura al óleo, encáustica y otras de carácter mixto. Estas experiencias unidas a una natural atracción por lo desconocido, por lo onírico, hacen que en sus obras se perfilen ya claros signos de un lenguaje propio, a juicio de la crítica. Expone sus primeras obras en la Librairie des Colonnes de Tánger en 1962. En 1964 inicia un viaje a Europa y el azar hace que, a su paso por Madrid, decida instalarse temporalmente. Actualmente es donde reside y trabaja. En Madrid, enero de 1966, la Galería Edurne de Madrid presenta su primera exposición personal cuyo catálogo está prologado por José Mª Moreno Galván. Desde esas fechas numerosas exposiciones individuales y colectivas se han sucedido dentro y fuera de España. En 1967 edita sus primeros grabados al aguafuerte y litografías. Su actividad de grabador, complementaria a la de su pintura, le ha permitido producir numerosas ediciones de bibliofilia en colaboración con escritores y poetas de su tiempo y otros. Desde 1971 realiza también una estimable labor de ilustrador en ediciones de gran difusión. A partir de 1974 ha colaborado en numerosos proyectos teatrales realizando la labor de escenógrafo y figurinista en representaciones de teatro clásico y contemporáneo, opera o cine. Fallece en Málaga en noviembre de 2013. Su sepultura se encuentra en el cementerio de San Justo en Madrid.
Hernández, Sonia (0)
Madrid, 1973 Comienza una formación artística temprana en áreas como la danza y el diseño. En el año 2001 obtiene una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Actualmente reside en Galicia donde ha cursado los estudios de Máster en Arte Contemporáneo en la Universidad de Vigo. Su obra pictórica se ve altamente influenciada por el expresionismo abstracto norteamericano y el informalismo español y se caracteriza por una temática lírica e intimista. Ha participado en exposiciones individuales y colectivas entre las que destacan: 2014-2015. artisAS.4ºProyecto de visibilidad para mujeres artistas del Departamento de Igualdad de la Universidad de Vigo. MARCO, CGAC, Campus Universitario de Vigo. Colectiva. 2014. Pretérito Imperfecto. Sala de exposiciones de la Xunta de Galicia, Pontevedra. Individual. 2006. Acordes de apertura. Galería Espacio para el Arte. Mercado de Fuencarral, Madrid. Individual. 2004.11 lecturas ávidas. Galería Ka. Madrid. Colectiva. 2003. Generaciones Caja Madrid. Itinerante por España y Portugal. Obra seleccionada. Colectiva. 2001. FAIM. Individual. Su obra ha sido adquirida en diversas colecciones particulares de Estados Unidos, Europa Y España y se encuentran menciones a su obra en los catálogos: artisAS 4ª edición. Generaciones 2003, Premios y Becas de Caja Madrid y 11 Lecturas Ávidas. Galería Ka.
Jiménez, Elena (0)
Alicante, 1965 Residente en Madrid. Técnico superior de artes plásticas. Es una artista multidisciplinar que a lo largo de su trayectoria ha empleado en sus trabajos instalación, dibujo, obra gráfica, fotografía y pintura. Ha sido galardonada con primeros premios de concursos de artes plásticas y grabado en la Bienal Iberoamericana de grafica de Cáceres, Colegio de España en Paris, Royal Premier, “Carmen Arozena” Madrid, “Pilar Banus” Y “ Teresa Toral” museo del grabado de Marbella, “Rafael Canogar” Pinto, “Juan Luis Vasallo” Cádiz, “Luis García Ochoa”,” José Caballero” Las Rozas, Villa de Mislata, San Lorenzo del Escorial, Diputación de Alicante, Museo Municipal Contemporáneo de Madrid Y las Ayudas a la producción de artes plásticas. Comunidad de Madrid y de la promoción de las artes del Ministerio de Cultura entre otros. Ha realizado residencias y talleres de investigación de arte actual, tanto internacionales como nacionales. Taller experimental de La Habana, Cuba. Lower East Side Workshop Printmakers. NY , London Print Studio. Londres, Kulturwek Bethanian, Berlín, talleres de arte actual con Pablo plazuelo en Círculo de Bellas artes de Madrid, Fundación Miro, Mallorca, Museo de Electrografía en Cuenca. Casa Encendida y El Ranchito Matadero Madrid. Ha realizado exposiciones individuales en galerías privadas e instituciones como Sala Brocense de Cáceres, Colegio de España en Paris, Palacio Pimentel en Valladolid Casa fuerte Bezmiliana Málaga , Centro arte Tomas y Valiente, Fuenlabrada Madrid, Sala La Lonja en Alicante, Museo del Carmen de Valencia, Instituto de cultura Juan.gil Albert Su obra forma parte de la colección de museos e instituciones: Colegio de España en Paris. Museo de Grabado Marbella. Taller experimental de Grafica. La Habana., Fundación Pilar y Joan Miro. Mallorca, Gobierno de Cantabria, Dirección Gral. De la Mujer, Comunidad de Madrid. Diputación de Alicante, Cabildo Canario, Comunidad de Madrid. Caja de Madrid. Congreso de los Diputados. Museo Municipal Contemporáneo de Madrid. Fundación Mafre Fundación Repsol. Biblioteca Nacional, Calcografía Nacional Ministerio de Justicia. Madrid. Banco de Santander. Asociación Española de Banca. Banco Bilbao- Vizcaya.L ower East Side Workshop NY y Ayuntamientos de Madrid, Alicante, Mislata. Valencia, Pinto, las Rozas y Cádiz.
Labandeira, Jesús (0)
Jesús Labandeira (Madrid, 1963), se forma como fotógrafo en el Máster Conceptual y Artístico de EFTI. y en el Máster PHotoEspaña en Fotografía: Teorías y Proyectos Artísticos, de PIC.A Escuela Internacional Alcobendas PHotoEspaña. Desde entonces ha realizado exposiciones entre otras en Tarazona Foto, Diputación Provincial de Huesca, Jardín Botánico, Instituto Cervantes,Galería Cero, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Ayuntamiento de San Sebastián de los Reyes, Ayuntamiento de Alcobendas, Palacio del Infantado de Guadalajara, Centro de Arte de Alcobendas, o Real Sociedad Fotográfica de Madrid. Entre los premios cabe destacar : Enaire 2017 y 2019, PhotoEspaña 2016, 2º Premio Al Mejor Libro de Arte del año 2016 otorgado Por el Ministerio de Cultura de España, Premios Jesús Nuñez, Carmen Arocera, calcografía Nacional o Artes Plásticas UNED en 2015, En 2014 publica Gradiva, un trabajo fotográfico reflexivo e introspectivo en el que afloran sentimientos encontrados en lugares comunes entre realidad y sueño y en 2016 Cuando aún nevaba, visión introspectiva del paisaje nevado, como gran metáfora de la memoria, Reinterpretando la ausencia de varias maneras. La ausencia de aquello que compuso la infancia, de lo que conformó un lugar habitado o de los brillos de un paisaje.
Lacalle, Abraham (0)
Almería, 1962 Abraham Lacalle (Almería, 1962) cultiva un estilo formalmente figurativo, colorista, frenético y desenfadado pero lleno de reflexión y referentes irónicos a la historia de la pintura. Todos sus cuadros tienen relación con la realidad objetiva. Algunas de sus exposiciones más destacadas han sido: El despertar. Landscapes after the battle. Nova Invaliden Galerie, Berlín, Alemania (2016); Incendios, Galería Marlborough, Barcelona (2016); Pintura bélica, CAAM, Las Palmas de Gran Canaria (2015); Tríptico de Málaga, CAC Málaga (2015); Bandini Baker, The Spanish Sindicate, Track 16 Gallery, Santa Monica, EE.UU. (2011); Abraham Lacalle. Marlborough Gallery Chelsea, Nueva York, EE.UU. (2008); Abraham Lacalle, Un lugar donde nunca sucede nada, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Espacio Uno), Madrid, (2005); Pinturas de ida y vuelta. Marlborough Chelsea, Nueva York, (2004). Asimismo, su obra forma parte de las colecciones del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (Sevilla); de la Colección L’Oreal (Madrid); Museo Es Baluard de Palma de Mallorca; Fundación Coca-Cola España; Fundación Santander Central Hispano (Madrid) y Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), entre otras. Abraham Lacalle es artista Marlborough desde 2002.
Lamas, Menchu (0)
Vigo, 1954 Menchu Lamas (Vigo, 1954) es una figura central para entender la pintura contemporánea española. En la década de los ochenta forma parte de Atlántica, un grupo formado por artistas gallegos interesados en romper con el modernismo manierista propio de la época y en situar el arte gallego en el panorama internacional. Su obra se caracteriza por el empleo de un color vibrante que se mueve entre lo íntimo y lo monumental, que enaltece y carga de brillo a los objetos de la vida cotidiana. Para ello, Lamas opta por amplias pinceladas, colores primarios y el gran formato, siempre bajo la influencia del movimiento Pop y de una iconografía basada en la simplicidad de las formas. Sus pinturas forman parte de museos y colecciones públicas como Colección Los Bragales (Santander), Colección de Arte Contemporáneo “La Caixa” (Barcelona), CGAC Centro Galego de Arte Contemporáneo (Santiago de Compostela), MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona (Barcelona) o MNCARS Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid). Información Galería Miguel Marcos
Locci, Gabriella (0)
Sardegna, 1950 Nacido en Cagliari, estudió arte en la ciudad. En la actividad que se profundiza y experimentos artísticos con las técnicas de procesos de grabado y de impresión, mediante la combinación de la producción incisoria, expresado en formato grande y que se caracteriza por patrones de señales obtenidas con la suma de las técnicas de huecograbado convencionales y experimentales, el procesamiento de las máquinas de objeto. Formó parte del "Grupo Interdisciplinario de Investigación y Ensayo" del Departamento de Ciencias Matemáticas de la Universidad de Cagliari y grupos experimentales en las artes y el espectáculo, el cuidado de los accesorios e instalaciones a nivel internacional. Trabajó en el círculo de la revista de arte Thelema y exposiciones e iniciativas vinculadas a ella; posteriormente se sumó plexo. En la década de los años 90 es un profesor y jefe del laboratorio de Grabado e Impresión Técnicas del Instituto Europeo de Diseño de Cagliari. En los años noventa se crea en su estudio Casa Falconieri, la experimentación y el centro de investigación, el único modelo de una gestión abierta y artes experimentales del grabado en Italia. Este modelo muy innovador esbozó nuevas directrices que obtienen reconocimiento internacional. Su campo de estudio está dirigido al grabado en todas sus formas y técnicas, la impresión de arte original, incluyendo la relación con la liberación de vídeo digital y experimental. En su investigación se centra en las posibilidades del lenguaje ofrecidos por las técnicas de grabado experimentales de innovación y mezclados entre sí, siempre dirigiéndose más hacia tamaños más grandes, que distorsionan la relación entre los signos y el espacio del papel que el lenguaje del grabado se ha consolidado con el tiempo, y están en relación con el espacio arquitectónico y los significados simbólicos que connotan; la incisión se hace arquitectura, objeto, instalación. El tamaño de la imagen grabada inusual, el tipo de papel o mezclas de diferentes técnicas, empujando hacia una invención continua, que permite superar los límites creativa y crea nuevas aperturas a los problemas del arte en general y en particular imagen impresa en . El aliento experimental es definitivamente grande y rigurosa, emocionante y racional, infinitamente abierto a soluciones y posibles hibridaciones. Todo el proceso creativo, técnico y de investigación, es un conjunto en constante evolución, un discurso que no prevé un punto final de llegada sino un gran espacio abierto a las dudas y descubrimientos. El error, lo inesperado, las dificultades técnicas que abre la búsqueda y se supera el límite, el elemento se convierte en trastorno desafiante que hace el grabado de una obra abierta. Por encargo de organismos públicos ha realizado proyectos de intervención en el espacio urbano: 1999 en Cagliari, Departamento de Cultura, "Piazza d'Arte"; 2000 Cagliari, la ciudad de Cagliari, proyecto de intervención artística para la remodelación de un espacio urbano (distrito Favero Sant'Elia); 2007 Atelier, Pruebas Proyecto de técnicas de grabado no tóxico. La experimentación con materiales alternativos para el grabado y la impresión.
Madoz, Chema (0)
Madrid, 1958 es actualmente uno de los fotógrafos más reconocidos y populares de aquel país, además de gozar de una importante reputación a nivel mundial. Cursó Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid (1980-1983) al tiempo que realizaba estudios de fotografía en el Centro de Enseñanza de la Imagen. Su obra se destaca por incluir imágenes blanco y negro donde se destacan excelentes juegos de imaginación en diferentes texturas y perspectivas. Actualmente trabaja con una cámara Hasselblad de formato medio, la cual posee desde hace diez años. En las fotografías de Chema Madoz el observador es empujado a la reflexión a través de las formas de sus objetos surrealistas y termina por realizar un ejercicio poético. En 1985 La Real Sociedad Fotográfica de Madrid decide exponer su primera muestra individual. Tres años después la conocida Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes (Madrid) realiza la apertura de su programación de fotografía exponiendo sus trabajos. Con el comienzo del último decenio del siglo XX, Chema Madoz, comienza a trabajar y desarrollar el concepto de objetos, con el cual se convertirá en un fotógrafo sumamente famoso. En 1991 sus obras salen de España por primera vez con la exposición "Cuatro direcciones: fotografía contemporánea española" que organizara el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Como si fuera poco, el nivel de su creciente trabajo era premiado con el Premio Kodak, un importante aliciente para que su trabajo no cesara. Su carrera se encontraba en ascenso y en 1993 recibe la Bolsa de Creación Artística de la Fundación Cultural Banesto. Dos años después sus trabajo comenzó a editarse en diferentes publicaciones. El primer libro es una monografía que repasa su carrera y trabajos en ese primer decenio como fotógrafo profesional: Chema Madoz (1985 - 1995). En 1998 se publica "Mixtos - Chema Madoz" y al año siguiente realiza dos importantes muestras en su país. Su obra continúa y su fama aumenta con el transcurrir de los años. En el año 2000 recibe su máximo reconocimiento y galardón: el Premio Nacional de Fotografía de España. Desde entonces sus trabajos han recorrido el mundo entero y su nombre es uno de los iconos actuales del arte fotográfico.
Maeso, Pablo (7)
Madrid, 1964 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sant Jordi de Barcelona, empezó como pintor abstracto a finales de los 80 en galerías del Born como Alla Prima y Gloria de Prada. A partir de 1999, ya como pintor realista, expone individualmente en las galerías de Barcelona Llucía Homs y Barnadas y participa en 1999 en la muestra “Realismo en Catalunya”. También trabaja con las galerías El Quatre de Granollers, Estela Docal de Santander y Juan Amiano de Pamplona, donde expone “Historias Verdaderas” En sus obras aspira a conseguir un efecto “de conmover con lo cotidiano –dice-. Me gusta representar a mis personajes cuando están absortos, pensativos, pasmados. El escenario es inventado la mayoría de las veces, pero usando edificios o paisajes reales. El punto de partida lo genera una idea, una frase o la propia pintura. Una serie con un color o tono parecido, unos encuadres determinados, composiciones en diagonal o centrales...Me ayudo mucho de ordenador. A partir de un concepto y unas fotografías compongo un plano fijo, como si fuera un encuadre; un dibujo exacto...y a pintar, con acrílico que me facilita trabajar zonas planas” Su obra busca la atmósfera, supera la anécdota y sugiere una historia.
Masip, Ángel (0)
Alicante, 1977 Considerado uno de los artistas más destacados de su generación en el arte contemporáneo, Ángel Masip cuenta con obra en el Musac (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León), la Fundación Sa Nostra de Baleares, el diario ABC, la Cancillería de España en Tokio, la Embajada de España en Dakar o el Colegio de España en París. Ha sido reconocido, entre otros certámenes, por la Fundación Pilar y Joan Miró de Palma de Mallorca con el premio Pilar Juncosa, el Premio L'Oreal de Pintura o el Premio ABC de Pintura y Fotografía, y ha disfrutado de becas de la Academia de España en Roma del Ministerio de Asuntos Exteriores, del Colegio de España en París del Ministerio de Cultura o, recientemente, del Frans Masereel Centrum en Bélgica. Masip también ha participado en algunas de las ferias más importantes de arte contemporáneo como ARCO, Estampa o Just Mad de Madrid, y ha mostrado sus trabajos en galerías de Madrid y Zaragoza, en la Fundación Joan Miró de Mallorca o la Fundación Bilboarte de Bilbao.
Matta, Roberto (0)
Santiago de Chile, 1911-2002 Roberto Matta nació en Santiago de Chile el día 11 de noviembre de 1911 (11.11.11), cifra que utilizaría con frecuencia en su carrera artística. Cursó sus estudios universitarios en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica de Chile. Luego de titularse de arquitecto viajó a Europa en un barco mercante. Durante su estadía en París trabajó en el taller del arquitecto Le Corbusier, a quien conoció gracias a Roberto Dávila. En el viejo continente conoció además a los artistas Salvador Dalí, René Magritte y André Breton. Precisamente fue Breton quien estimuló al artista chileno, valorando su trabajo e introduciéndolo en el círculo de los principales miembros del movimiento surrealista de París. Matta produjo ilustraciones y artículos para el periódico surrealista Minotaure. Durante este período trabó amistad con prominentes artistas contemporáneos europeos como Picasso y Marcel Duchamp. Un momento decisivo para la carrera artística de Matta se produce en 1938 cuando pasa del dibujo a la pintura en óleo, por la cual es muy famoso. Este período coincide con su viaje y residencia, hasta 1948, en los Estados Unidos. El trabajo de Matta agregó nuevas dimensiones a la pintura contemporánea, pese a su ruptura (por causas desconocidas) con el movimiento surrealista en 1947. En 1990 recibió el Premio Nacional de Arte, en 1992 se le otorgó el Premio Príncipe de Asturias de las Artes y en 1995 obtuvo el Praemium Imperiale en la categoría de Pintura. Vivió regularmente desde la década de 1960 en el pueblo italiano de Civitavecchia, realizando viajes esporádicos a su país. Falleció el 23 de noviembre de 2002 en el puerto italiano de Civitavecchia, ubicado al norte de Roma. El pintor fue sepultado en Tarquinia, en una cripta ubicada bajo su casa. http://www.galeriaanimal.cl
Méndez Lobo, Oscar (0)
Madrid, 1963 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Artista de amplia y relevante trayectoria, ha realizado numerosas exposiciones individuales en Madrid, Lisboa, París, México, Lima, Copenhague, Oslo y por la geografía española. Y exposiciones colectivas en Madrid, París, Copenhague, Palma de Mallorca o Tenerife, entre otras muchas. Sus últimas exposiciones colectivas, han sido en las Ferias Art-Miami, Art New York , Estampa 2007 y una itinerante con Bancaixa en el IVAM producida por la Galería Argenta de Valencia. 2005 inaugura junto a F.Bellver y J.Capa el Espacio Tribeca, donde Francisco Calvo Serraller escribe: "este trío de artistas tan acreditado...artistas de indudable refinamiento y muy sólida técnica". En 2007 y 2008 presenta su obra en Art Fair Shanghai y Art Now Miami con la galería Tribeca. Con esta misma Galería participa en Arco:Expanded Box 2008 y en Pulse Miami en diciembre 2008 . Y con L´Esmar participa en ArtJaén 2008. Sus obras se encuentran en numerosos museos, entre los que se cita al Museo Garachico (Tenerife), Museo Florencio de la Fuente ( Cuenca), y entre otras colecciones las de El punto de las Artes, Zenith Media, Grupo Recoletos, Torres Colón, Fundación Konecta. Colección Fundación Coca-Cola. Colección Juego de la Oca, Biblioteca Nacional. Las últimas exposiciones individuales en 2006 presenta sus trabajos en Arteinversión. 2007 en Nuevoarte (Sevilla), obteniendo las mejores críticas de la mano de Julia Sáez-Angulo y Javier Rubio, escribiendo de él: "...su carrera sigue su ritmo ascendente....el artista en su plenitud creadora...atrapa la luz de los colores y la bebe a sorbos en combinados perfectos."Un enigma que sólo un artista como él descifra y respeta". En mayo de 2008 en la Sala de Exposición del Centro de Arte José Saramago, en Leganés, Madrid. Patrocinada por Caja de Extremadura en la Sala de Exposición de Caja de Extremadura en Cáceres en junio de 2009. 2009 director artístico de la Feria de Arte Contemporáneo ArteHotel Madrid, organizada por la Corporación Hispano Hotelera, participando además como artista. 2010 participa en Elche en el Homenaje Internacional al Centenario de Miguel Hernández, Exposición colectiva itinerante por la Geografía Española de Artistas Plásticos y Literarios. 2011 en la Sala de Exposiciones Barjola – Ayuntamiento de Las Rozas. Participa en la muestra de grabado organizada por el Centro Español de Arte Gráfico en la sala The Nut Lab, de Shanghai. 2011 Muestra internacional del Movimiento Artístico fundado por Adolfo Giuliani. “La Terza Triennale dell´Esasperatismo. Castel dell´Ovo. Nápoles. 2011 Exposición Sala Barjola, las Rozas. Madrid 2011. 2012 Sala de Exposición del Centro de Arte José Saramago, en Leganés, Madrid. 2015 Galería Atalante "De Luces a Sueños" Madrid.
Merino, Magdalena (0)
Madrid, 1963 Escultora licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid España, Francia, Bélgica, Alemania, Singapur, Chicago, New York o Miami han sido lugares en los que se han expuesto o se exponen actualmente sus esculturas. Además de contar con premios nacionales de escultura, en los últimos años ha participado en varias exposiciones y ferias de arte entre las que cabe destacar, Affordable Art Fair, Londres, Art Madrid, Rarity Summer Salon Mykonos, Grecia, Art Palm Beach Florida, USA, Art & Antiques Fair´s-Hertogenbosch,Breda, Países Bajos, Kunst Waregem Expo, Bélgica, Art Karlsruhe, Alemania, Shanghai Art Fair, China. Su obra gira en torno al ser humano, reflejando sus emociones e intentando captar los arquetipos que las reflejan. Las formas se evaden de su condición de cuerpo grávido para formar parte del espacio, la proyección, el movimiento. Se focaliza en captar la lucha interna humana, apelando a lo arcaico y esencial que todos llevamos dentro. A través de una depurada técnica en el tratamiento de los materiales (bronce, acero cortén, madera, metacrilato) imprime fuerza y pasión a sus esculturas, dotándolas de un irresistible misterio. Su último proyecto ha sido una muestra individual en Amberes, en WM Gallery. Y a raíz de ella la colocación de obra monumental.
Meseguer, Rosell (0)
Orihuela, 1976 Artista visual y doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, donde es profesora actualmente de máster y grado. Desde el 2005 viene desarrollando su actividad profesional entre Europa y América latina a través de colaboraciones con instituciones museísticas, galerías de arte y workshops en diferentes universidades del continente americano. Vive en Madrid, España. Seleccionada para formar parte de Plat(t)form 2013, Fotomuseum, Winthertur, Zurich, finalista en el Premio Internacional de fotografía Pilar Citoler2014 y Primer Premio Fundación Aena 2007, su obra se encuentra en colecciones como el Centro de Arte Dos de Mayo CA2M; la Fundación AENA; Caja Madrid Obra Social; Real Academia de España, Roma; Museo Patio Herreriano, Valladolid; así como colecciones privadas en Latinoamérica y Europa. Ha realizado presentaciones de su obra en espacios como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía o Manifesta 8, 2010-2011. Ha expuesto desde 1997 en España (PhotoEspaña; Intermediae Matadero, Casa Encendida, Madrid; Arts Santa Mònica y Palau de la Virreina, Barcelona; IVAM, Valencia; Centro Cultural Montehermoso, Vitoria-Gasteiz…), Inglaterra (The Photographers´ Gallery, Londres), Austria (Galerie im Taxispalais, Innsbruck), Escandinavia (Kulturhuset, Estocolmo; The Stenersen Mu¬seum, Oslo; Kuntsi Museum Of Modern Art, Vaasa, Finlandia; National Museum of Photography Copenhague) y América (Art Center South Florida, Miami; Galería Francisco Oller-Universidad de Río Piedras, San Juan de Puerto Rico; Matucana 100 y el CCE, Santiago de Chile; Centro Cultural Borges, Buenos Aires; Museo Leopoldo Rother, Bogotá; Centro Cultural Metropolitano, Quito), entre otros espacios Su obra desarrollada en diversos medios -fotografía, instalación, archivo, publicaciones, dibujos, pintura y video- está vinculada a la investigación de los procesos históricos y sus consecuencias sociopolíticas y económicas. Analiza la construcción de la historia y la creación de metodologías de documentación que ha ido desarrollando desde el 2001 en diversas estancias de investigación en el M.O.MA., Nueva York; Tate Britain, Londres; el Centre Georges Pompidou y la Societé Française de Photographie, París; Cannonball Miami, Florida o la Biblioteca Nacional de España BNE, Madrid. Ha formado parte del grupo de investigación Decolonizing knowledge and aesthetics entre Goldsmiths London & Matadero Madrid. Ha trabajado en diversas universidades de Latinoamérica (Universidad Católica de Chile; Rio Piedras, Puerto Rico, entre otras) y España (Universidad Complutense de Madrid entre otras)
Miró, Joan (0)
Barcelona, 1893-1983 Pintor, escultor, grabador y ceramista español. Estudió comercio y trabajó durante dos años como dependiente en una droguería, hasta que una enfermedad le obligó a retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo de Mont-roig del Camp. De regreso a Barcelona, ingresó en la Academia de Arte dirigida por Francisco Galí, en la que conoció las últimas tendencias artísticas europeas. Hasta 1919, su pintura estuvo dominada por un expresionismo formal con influencias fauvistas y cubistas, centrada en los paisajes, retratos y desnudos. Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Jacob y algunos miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico, muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria posterior. Afín a los principios del surrealismo, firmó el Manifiesto (1924) e incorporó a su obra inquietudes propias de dicho movimiento, como el jeroglífico y el signo caligráfico (El carnaval del arlequín). La otra gran influencia de la época vendría de la mano de P. Klee, del que recogería el gusto por la configuración lineal y la recreación de atmósferas etéreas y matizados campos cromáticos. En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas, lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses, abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929). Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez, esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho. La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro, las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca, donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines. Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica, realizados en colaboración con Llorens Artigas. En las décadas de 1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para localizaciones tan diversas como la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard o el aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura), con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975 se inauguró en Barcelona la Fundación Miró, cuyo edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís Sert.
Morago, Carlos (0)
Madrid, 1954 Académico correspondiente de la Real Academia de Bellas Artes Santa Isabel de Hungría (Sevilla). Su obra resultará premiada en diversas ocasiones _Medalla en el Salón de Otoño en 1977, Premio Sala Macarrón en 1977, Primer Premio Villa de Cedeira 1984. En 1990 y 1991 Medalla de Honor en el Premio BMW , Primer Premio Penagos de dibujo en 1994. En 1996 Pámpana de Plata en el Certamen de Valdepeñas. En el año 2002 Segundo Premio Ciudad de Tudela, también en éste año recibe el Primer premio Virgen de las Viñas (Tomelloso).En 2010 obtiene la Medalla de Oro de Valdepeñas, (Ciudad Real). Por último en el 2013, obtiene el Premio Figurativas 2013. Su obra se caracteriza por una impronta intimista, tanto por su temática como por su composición, destacando una rica matización del color, sustentada en un estricto concepto del dibujo. Colabora de forma asidua con Galerías de Arte, tanto nacionales como internacionales, entre las que destacaría : Panorama-78 (Museo de Arte Contemporáneo), Galería Biosca (Madrid), Galería Hynna (Rottach Egern, Munich), Galería Haurie (Sevilla), Galería Visconti (París), Galería Ansorena (Madrid), Galería Brulé (Estrasburgo), Galería Arteinversión (Boadilla del Monte, Madrid), Galería J.M.Lumbreras (Bilbao), Galería Felli (Paris), Galería Arcadia (New York), Tucker Galery (Chicago), Galería L'Arcada, Blanes (Girona), Galería Anquins, Reus (Tarragona), Sala Pares (Barcelona). Su obra ha estado presente en diversas Ferias Internacionales: Arco 1985-86, Lineart 1996-97 (Bruselas), Porto Art 2001 (Oporto), Feria de Arte Contemporáneo de Estrasburgo 2002-2003-2008-2012-2017, Art Miami 2005, Art-Madrid 2009-2011, Art Elysées 2012 (París).
Morago, David (0)
Madrid, 1975 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, posee un nutrido conjunto de premios como el 1º Premio X Certamen Nacional Pintura Parque del Buen Retiro y el 1º Premio Certamen Nacional Pintura Boadilla del Monte. Su producción, al igual que un gabinete de Historia Natural, recoge naturaleza y fauna. De esta manera, el espectador se encuentra ante la personal colección del artista como si accediese a su gabinete de curiosidades o cámara de las maravillas. Éstas, que tuvieron a su origen en el Renacimiento italiano, aglutinaban obras de arte y objetos del mundo natural (minerales, especímenes botánicos y zoológicos). Sus iconografías se complementan con el afán archivístico y enciclopédico que traducen sus obras de “Libros” y que remiten a la importancia del fondo documental de todo museo. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas tanto a nivel nacional (Madrid, Santander, Barcelona, Vigo) como internacional (Francia, Portugal, Canadá). Además de haber participado de manera activa en numerosas ferias: Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Singapur, Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Malasia y Artexpo de Barcelona, entre otras.
Moro, Luis (0)
Luis Moro, artista visual naturalista nació en 1969 en Segovia, España. Ha recibido Premios Nacionales de Pintura; Grabado y Escultura en Certámenes Juveniles de Artes Plásticas de España (1985-1989); Premio Internacional de Jóvenes Pintores Europeos Benidorm (1987) y Premio Liceo Español de París (1991). Beca Círculo de Bellas Artes Madrid en el taller de Julian Schnabel; Beca de Casa de Velázquez, España-Francia (2002); Beca Artist in residence SMART, CAM, San Antonio - USA (2012); Beca CONACULTA, México (2013) y nombrado Embajador de la Paz y la Cultura por el Frente Nacional para la Paz, México (2019). Ha realizado ediciones de gráfica y poesía con los Premios Cervantes de Literatura, Ida Vitale, Elena Poniatowska y Antonio Gamoneda, quien además ha realizado los textos de su último catálogo Triaca: Dioscórides – Laguna - Gamoneda. Otras ediciones también con destacados artistas y escritores como Manuel Alegre y Cruzeiro Seixas con el Centro Portugués de Serigrafía. En 1992 realiza su primer gira individual en París, Berlín y Praga, iniciando así un recorrido con más de 60 exposiciones individuales y colectivas en museos, ferias internacionales y galerías de: Francia, Alemania, Canadá, Italia, Bélgica, Corea, México, Estados Unidos y España. Ha sido seleccionado para representar a España en la Bienal de Arte de Gongju-Corea, intervenir el balón monumental de España en Ball Parade Russia 2018 que se exhibió en representación del país ibérico en el Mundial de Fútbol y una de sus obras se encuentra en la Colección Patrimonio Nacional Familia Real Española, como obsequio de boda de la Fundación Don Juan de Borbón y el Ayuntamiento de Segovia. Presenta su obra en los últimos años en el Museo Goya en Castres (Francia); Museo de Arte de Mouscrom (Bélgica); Museo Alameda/Smithsonian (San Antonio); Museo de Arte Esteban Vicente, Museo Torreón de Lozoya (Segovia), Museo Witte (San Antonio) y en el Museo Luis González Robles (Alcalá de Henares). En las galerías de Texas: Gray Duck Gallery (Austin), Redbud y Samara Gallery (Houston), entre otras. En su paso por México, país donde actualmente reside ha expuesto en diversos museos y espacios del país: en el Museo de Arte de Querétaro; en el Palacio Clavijero y MACAZ en Morelia; Museo El Nigromante en San Miguel de Allende; MUSA en Guadalajara; Museo MACAY en Mérida; Museo Francisco Goitía en Zacatecas; MAC Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí; MUPO y IAGO en Oaxaca; Pinacoteca de Nuevo León en Monterrey y Museo El Centenario en San Pedro Garza García en Nuevo León; en el Museo Palacio de los Gurza en Durango; en el Museo de Tlalpan, Museo Nacional de la Estampa y, actualmente en el Museo de la Ciudad de México en CDMX.
Murado, Antonio (0)
Lugo, 1964 Lugo (España), 1964 Antonio Murado nació en Lugo, aunque vive y trabaja en Nueva York. Virtuoso de la técnica, aplica el color, barnices y disolventes en ligeras veladuras de apariencia líquida con las que consigue trasladarnos a espacios íntimos entre la abstracción y lo figurativo. Murado nos sitúa así en un espacio sensorial que nos invita tanto el deleite estético como a la reflexión intelectual. En su búsqueda Murado se cuestiona los límites del tiempo, ya que de la superposición de capas pictóricas surge un efecto tridimensional muy evocador que pareciera describir pasado y presente. También se plantea los límites del espacio, pues a través de la fragmentación pretende alcanzar la totalidad. Preocupado siempre por el comportamiento de los materiales y por el poder de interpretación de la pintura en sí misma, sus lienzos, parecen formar parte de un concepto mayor. Son retazos de lugares evocadores que narran una historia que va más allá del cuadro. A lo largo de su trayectoria ha creado un vocabulario muy personal en el que encontramos marañas, paisajes helados, olas, pétalos, redes, pizarras… Todo ello representado con delicadeza y refinamiento extremos, Aun así, en ocasiones ha coqueteado con el retrato. Además hay que resaltar la importancia de la fotografía en su obra, así como su gran interés por la historia. http://www.galeriaalvaroalcazar.com
Patiño, Antón (0)
Monforte, 1957 Artista visual y escritor. Realizó exposiciones individuales en galerías y museos de Amsterdam, Estocolmo, New York, París, Burdeos, Zürich, Stuttgart. Obras en diferentes museos: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, CGAC, MEIAC, MACBA, Artium. Su trabajo ha sido definido por el crítico norteamericano Donald Kuspit como “expresionista conceptual”. Ha publicado los siguientes libros: Xeometría líquida [1992] Mapa ingrávido [1992] Caosmos [2007]. Los libros de poesía titulados "Océano e silencio" y "Teoría do riso" [2015]. Autor con Xavier Seoane del manifesto "Hai suficiente infinito" [1999]. Publicó libros sobre Reimundo Patiño [2000] Uxío Novoneyra [2010] Urbano Lugrís [1997] y Lois Pereiro [2011]. Recientemente publicó "Escritos de un sonámbulo" (en Caballo de Troya).
Pérez Villalta, Guillermo (0)
Tarifa, 1948 Pintor español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más representativos del posmodernismo en su país. Nació en Tarifa (Cádiz) y comenzó a estudiar Arquitectura, una disciplina que ha seguido influenciando su obra pictórica. En 1968 se trasladó a Madrid, donde en la década de 1980 se le consideró integrante de la llamada “movida madrileña”. Sus cuadros, de fuerte colorido y luminosidad representan personajes que se mueven dentro de complejas escenografías teatrales, que aúnan los interiores con los exteriores. En su etapa más reciente se ha inclinado hacia la temática mitológica, con fuerte contenido simbólico valorado por los tonos ocres y la aparición de desnudos masculinos. Frente a los típicos valores propugnados por la modernidad abstraccionista (autenticidad de los materiales y pureza formal), la pintura de Villalta es de naturaleza totalmente narrativa.
Pérez-Pla, Javier (9)
Madrid, 1968 Javier Pérez´Pla, Madrid, 1968. Pronto descubrió su pasión por la fotografía. A la temprana edad de 15 años le regalaron su primera cámara Nikon y con 19 años decidió cruzar el Atlántico para cursar estudios de fotografía y fine art en NYU University & I.C.P Phptography School. Tras su formación académica, trabajó durante cuatro años en la gran manzana como ayudante de prestigiosos fotógrafos "Quería aprender de una manera directa la visión personal de diferentes artistas y fue realmente donde me di cuenta que la fotografía se procesa desde el corazón". Viajero incansable, el trabajo de Javier posee una belleza y marca personal y lo más importante que es perdurable en el tiempo. Su trabajo personal y comercial mantienen una misma línea y lenguaje. Su fotografía ha sido expuesta en prestigiosas galerías como Sothebys (Spain), Casa de Vacas (Madrid), Gallery C (New York), McCann-Eriksoon (Paris), Diario de Ibiza (Baleares), Taller Eléctrico (Ses Salinas), Fundación Pons (Madrid), entre otras.
Picasso, Pablo (0)
Málaga, 1881-1973 Picasso es hijo del pintor y profesor de arte José Ruiz Blasco, quien trabajará en distintas escuelas de arte de España (en Málaga, La Coruña y Barcelona) trasladando con él al conjunto de su familia cada pocos años. Los viajes y los cambios de domicilio también serán una constante en la vida de Picasso. Es precisamente de la mano de su padre que Picasso se inicia en la pintura desde niño con un estilo académico. En 1985 ingresa en la misma escuela de arte de Barcelona en la que trabaja su padre como profesor, ciudad a la que se mudan tras el fallecimiento de la hermana de Picasso a los 7 años. En Barcelona Picasso se adentra en el grupo de la vanguardia intelectual de la ciudad que se reúne en la cervecería 'Els Quatre Gats', local en el que tiene lugar su primera exposición individual. Picasso viaja por primera vez a París en el año 1900 empezando una nueva etapa de viajes entre Barcelona, París, Madrid y Málaga. El año siguiente se suicida en París su amigo Carles Casagemas causando una huella triste y profunda en Picasso que afecta a su estilo pictórico y marca el inicio de su periodo azul. En 1904, asentado desde hace un par de años en el parisino barrio bohemio de Montmartre y asiduo a las tertulias intelectuales de los hermanos Stein, Picasso conoce a Fernande Olivier: musa, modelo, amante y compañera sentimental. Con ella empieza otro patrón en la vida y obra de Picasso, la presencia constante (y en ocasiones solapada) de mujeres con las que mantiene una relación amorosa (a veces oficial, otras veces secreta) y su influencia en la temática y el estilo en la obra del artista. Olivier fue la primera, pero habrían de seguirle: Eva Gouel, Olga Khokhlova, Marie-Thérèse Walter, Dora Maar, Françoise Gilot y Jacqueline Roque. Siempre acompañado de mujeres, se caso tan solo en dos ocasiones y tuvo cuatro hijos. En 1905, acorde a su nuevo estado emocional, cambia radicalmente el estilo y los temas de su obra y se califica a este nuevo cuerpo de trabajo como periodo rosa. Al final de la época rosa, se encamina hacia el origen del Cubismo (Les Demoiselles d'Avignon, 1907) movimiento que desarrolla junto a George Braque y que le convierte en una de las figuras más influyentes de la historia del arte del siglo XX. Es durante el apogeo de este movimiento que inventa la técnica del collage. Tras el fin del Cubismo como movimiento y la muerte de Eva Gouel, Picasso se distancia de la pintura temporalmente y colabora como diseñador en varios proyectos de los Ballets Rusos. A mediados de los años veinte mantiene un estrecho contacto con figuras importantes del Surrealismo y a finales de esta misma década colabora en una serie de esculturas con Julio González. Entre mediados de los años treinta y cuarenta, con el impacto de la guerra, aumenta su compromiso político: se posiciona con el bando republicano durante la Guerra Civil Española, pinta el Guernica (1937) para ser expuesto en el Pabellón de la República Española en la Exposición Internacional de París y se afilia al Partido Comunista francés. Las décadas siguientes se dedica a rentabilizar su popularidad con pinturas generalmente consideradas de menor calidad y dedica un mayor tiempo al grabado, la escultura y la cerámica hasta su muerte a los 92 años.
Plensa, Jaume (0)
Barcelona, 1955 Vive y trabaja en Barcelona y París, y es uno de los artistas españoles con más proyección internacional. Dibujo, escultura, obra gráfica, escenarios para ópera, videoproyecciones, instalaciones acústicas… prácticamente no hay manifestación artística o técnica que no haya sido experimentada por el artista. Entre 1999 y 2003 se convirtió en uno de los referentes de la escenografía mundial, al reinterpretar, junto a la La Fura dels Baus, cuatro óperas clásicas: La Atlántida, El martirio de San Sebastián, La condenación de Fausto y La flauta mágica. Plensa ha obtenido, además, diversos premios, entre los que se encuentran: el Primer Premio de Escultura del XXXIX Salón de Montrouge (1994), el Premio de la Fundación Alexander Calder (1996) y el Premio de la Asociación Española de Críticos de Arte a la mejor obra presentada en Arco´98. Recientemente fue distinguido con el título de Doctor Honoris Causa por la School of the Art Institute of Chicago. Pese a su alto reconocimiento en el mercado del arte, Jaume Plensa ha conseguido mantenerse al margen de las corrientes comerciales que invaden el arte contemporáneo. Su obra ha sido expuesta en los mejores centros e instituciones internacionales de arte contemporáneo.
Pownall, Anna (0)
xxxx, xxxx Licenciada en Bellas Artes en el año 2000 en la Universidad Complutense de Madrid se especializa en grabado y estampación, completando su formación con diversos cursos con artistas de renombre como Paco Aguilar y con la estancia en el Centro Internacional de la Estampa Contemporánea (Betanzos) en 2011 donde cursa el módulo de grabado calcográfico. Desde el año 2000 se centra sobre todo en el grabado, investigando y formándose en nuevas técnicas no tóxicas que le ofrecen nuevas posibilidades visuales y al mismo tiempo son más respetuosas con el medioambiente. Ha realizado un gran número de exposiciones individuales y colectivas, destacando su participación y ferias especializas en el grabado como ESTAMPA y FIG. Aunque su obra se desarrolla mayoritariamente en el campo del grabado y el dibujo también trabaja en el campo de la ilustración y el diseño de manera ocasional.
Quintana Martelo, Manuel (0)
Santiago de Compostela, 1949 Licenciado en Bellas Artes en la Escuela de Sant Jordi en Barcelona, Quintana Martelo (Roxos, Santiago, 1946) es una de las más reconocidas trayectorias artísticas de Galicia en las últimas décadas. Su obra, dotada de un realismo de sello personal y nunca sujeto a estructuras rígidas, tiene reunido un total de cuarenta y cinco muestras individuales en España, Francia, Venezuela y Estados Unidos. Participante en alrededor de doscientas exposiciones colectivas, desde finales de los años setenta su trabajo figura en las principales muestras institucionales gallegas a parte de su participación en Ferias de Arte como ARCO, Art Miami o Art Chicago.
Rafols-Casamada, Albert (0)
Barcelona, 1923-2009 Como artista ha alternado una extensa y reconocida obra pictórica con la escritura, tanto en textos de ensayo y personales que giran alrededor del arte como de poesía, género literario que en ocasiones ha querido integrar con su pintura, creando así un espacio estético de gran intensidad y fácilmente reconocible. Durante su juventud se inició en el arte gracias a la ayuda de su padre, Albert Ràfols i Cullerés, y más tarde realizó estudios de arquitectura. Pero muy pronto lo dejó todo por la pintura. Una primera exposición en 1946 y su adscripción al grupo Els Vuit, marcan estos años. Su obra, después de unos inicios de influencia postimpresionista derivó rápidamente hacia la abstracción, con una clara tendencia a poetizar los objetos de la vida cotidiana. El año 1980 ganó el Premio Nacional de Artes Plásticas. En cuanto a su obra poética, comienza a ver la luz en 1975 con el libro Notes nocturnes, un conjunto de poemas visuales. Este mismo año servirá como referencia para el inicio de sus diarios, publicados en 1984: L’escorça dels dies: fulls de dietari 1975-1977, que tendrán una continuación con D’un mateix traç: fulls de dietari (1978-1982), que ofreció a los lectores en 1994. Después de diversos libros de poesía: Episodi (1982), Angle de llum (1984) o El color de les pedres (1989), entre otros, reunió su obra en verso el año 2000 en la editorial Proa bajo el mismo título que un libro anterior: Signe d’aire: obra poètica, 1939-1999. Casado con la pintora Maria Girona, su obra teórica se mueve en el campo de la pintura y puede seguirse en libros como Sobre pintura (1985) o Correspondències i contrastos (1994), pero también en numerosos artículos y catálogos. Como ilustrador ha centrado sus esfuerzos en poner imágenes a obras importantes de la literatura catalana del siglo XX, así la poesía de J. V. Foix, los Poemes aquarel·les, de Josep M. Llompart o la novela Mirall trencat, de Mercè Rodoreda. Fue socio de honor de la Associació d'Escriptors en Llengua Catalana. http://www.escriptors.cat/autors/rafolsc/pagina.php?id_sec=86
Ranz, Nuria (0)
Madrid, 1961 Nací en Madrid en 1961. Estudié Cerámica en la Escuela Oficial de Cerámica y luego, en la Facultad de Bellas Artes de Madrid, me licencié en la especialidad de Escultura y realicé los cursos de doctorado en Bellas Artes de San Fernando. Desde entonces he compaginado la docencia como profesora en Centros culturales e Institutos de Educación Secundaria con proyectos y trabajos de distinta naturaleza. Utilizo diversos materiales y me atrae la luz, la Naturaleza y los pequeños gestos. He expuesto en España y el extranjero, participado en exposiciones y concursos, mi obra Mozart es accésit del Certamen Internacional de medallas de la Real fábrica de la Moneda , tengo obra cerámica en distintos edificios, obra escultórica de gran formato en Madrid y Málaga y exploro el mundo de la ilustración, participando en exposiciones desde hace más de una década.
Relinque, Yolanda (0)
Pamplona, 1976 Es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Granada y DEA por la Universidad de Alcalá de Henares. Su obra ha sido expuesta en galerías y museos en España, Alemania, Marruecos, Francia, Inglaterra y Argentina. En su trabajo se interesa por la figura a través de la cual poder expresar lo íntimo del ser humano y la relación con la sociedad. La preocupación por la subsistencia y por la defensa de los espacios, y la necesidad de condensar los conceptos de libertad y alienación, inspiran su trabajo acerca del tema de la locura desde la perspectiva de la historia de la psiquiatría y de relatos vitales (muestras celebradas en el XXVI Congreso Argentino de Psiquiatría y en la Universidad Nacional de Luján, Provincia de Buenos Aires, Argentina). Estéticamente, su creación se fundamenta en la línea, en el movimiento, y en la contemplación intuitiva de las combinaciones entre dibujo, grabado, pintura , instalación artística, escultura, textil, cerámica, video y poesía, uniendo el pensamiento crítico a la posibilidad del sueño. Seleccionada en varios premios internacionales, ha recibido las becas de la Fundación Laxeiro en 2014 y el sello “our world is art” de MAC Fernando Centeno en 2015. Ha participado en Justmad3, Artsylt y Estampa. Su obra formó parte del proyecto Postcontemporanea en la Iglesia de San Jerónimo el Real. En el año 2015 ha realizado su exposición individual “promesaversprechen” en Stuttgart con la galería Adriana Schmidt. Así mismo ha participado en las exposiciones “Territorio Sur” realizadas en el Museo Provincial de Huelva y Facultad de Bellas Artes en Granada , Museo de Cádiz y Fundación Valentín de Madariaga, y en Nuevos Nómadas en el Real Alcázar de Sevilla a través de Meca. También en la exposición “mobiliario de artista” realizada en el Museo de Patrimonio de Málaga. En Octubre de 2015 su obra ha sido expuesta en Charlotte 13 , Leipzig (Alemania). En Febrero de 2016 realiza un proyecto individual y específico “alongtimeago” para el Museo Fernando Centeno de Genalguacil. En 2017 ha realizado su exposición individual “costuras” comisariada por Andrés Isaac Santana en galería Theredoom y ha participado en “Circus” en el Museo de Huelva, así como “todo empezó así” Centro cultural San Clemente en Toledo y en la Fundación Antonio Pérez en Cuenca. Su obra “costuras” ha sido referida en el número 84 de la revista del mes de Abril de “Arte al límite” en Chile y referenciada en T Spain the new york times Magazine del mes de Marzo 2017 y en el número de Marzo de 2018 en la revista “descubrir el arte”. En Abril de 2018 inaugura su exposición individual “canciones casi sin palabras” en Galería Gravura en torno al festival internacional de cine de Málaga , en “el anillo de Minerva” junto a Pedro Castrortega para Nando Argüelles art Project y al mismo tiempo la exposición “Rhesus negative” en la galería Cupola en Sheffield , Uk.
Robles Escudero, Wenceslao (0)
Sevilla, 1975 Licenciado en Bellas Artes, en la especialidad de Diseño y Grabado por la universidad de Sevilla. Desde entonces se dedica profesionalmente al mundo de la plástica. Exposiciones más destacada: - Galería Icaria, Alcalá de Guadaíra (Sevilla), 2001. - Galería Nuevoarte, (Sevilla), 2005. - Galería Cristóbal Bejarano, Linares , 2008. - Galería Alfara. Oviedo, 2008. - Galería AMMAC, Puertollano, 2009. - Galería A Cuadros “Residuos Gráficos”, Madrid, 2010. - Galería Nuevoarte, “El patio de mi casa sin otro particular”. Sevilla, 2011. – Galería Taller Gravura. Málaga, 2011. – Centro de Arte Contemporáneo de Melilla 201 – Galería Cristóbal Bejarano. Linares, 2016. Premios y eventos más destacados: - 1º Premio del IV Concurso Nacional de Grabado de Alcalá de Guadaíra, 2002. - 1º Premio en la I Edición del Premio de Obra Gráfica IDEA, Ministerio de Economía, 2003. - 1º Premio del VI Concurso Nacional de Grabado de Alcalá de Guadaíra, 2003. - 1º Premio en el Segundo Premio de Grabado galería Nuevoarte, 2004. - 1º Premio en la “IV Bienal de Grabado Ciudad de Borja 2006”, Zaragoza, 2006. - 1º Premio en el “II Premio Nacional de Bodegas Bretón”, La Rioja, 2007. -1º premio – IV Bienal Internacional de Grabado Aguafuerte 2014. Valladolid. -1º premio – XXI Premio Internacional de Grabado Villa Cebreros. Ávila 2014. -1º premio – Concurso de Grabado Vilma Oil. Madrid 2015. -1º premio –XIII Bienal de gravat, Xativa2015. -Meción de Honor– XX Certamen Nacional de Pintura “Ciudad de Calahorra”. La Rioja 2016.
Rodríguez Guy, Pablo (2)
Santa Elena, 1950 Ha realizado alrededor de ciento cincuenta exposiciones individuales, además de otras colectivas, en España, Portugal, Suiza, Alemania, Bélgica, Italia, Islandia, Holanda, Francia, Canadá, Cuba, Estados Unidos, Japón y Taiwán. Ha participado en Ferias Internacionales de Arte como Art Bassel, Arco Madrid, Art Expo Montreal, Buchmesse Art Frankfurt, Inter Arte Valencia, Art Gràfic Barcelona, Levens Art Hannover, Art Múltiple Düsseldorf, Estampa Madrid, Art Ibiza, Arte Santander, Art Dresde, Arte Sevilla, Art Madrid. Ha obtenido más de 80 premios y medallas en certámenes de pintura, grabado y acuarela. Entre ellos la Medalla de Honor en el BMW. El Emilio Ollero de Jaén. El Premio Ejercito de Tierra de Madrid. El Cortijo Bacardí de Málaga. Molino de Plata en Valdepeñas. El Premio del Retiro de Madrid. El Premio Caja de Guadalajara. El Premio-Adquisición de la Fundación Wellington de Madrid. Premio Certamen de Torrelodones. Premio Diario de León. Premio Casino Gran Madrid.
San Martín, Unai (0)
Eibar, 1964 Artista vasco, que sobresale en la técnica del fotograbado, método gráfico que prefiere por la cualidad intensa y aterciopelada de sus negros y por sus cualidades oníricas e intemporales. No obstante, también practica la fotografía y la estampación Ha sido merecedor de varias becas y premios, tanto eEl artista Unai San Martín nació en Eibar (Guipúzcoa) en 1964. Ha sido merecedor de varias becas y premios, tanto españoles como extranjeros. Destacan el primer premio Gure Artea (1991), la beca de residencia del Kala Art Institute de Berkley (1997), y la mención de honor por la Calcografía Nacional (2001), entre otros. San Martín ha desarrollado un enorme talento y sensibilidad fotográficos especialmente en la delicada técnica del heliograbado, método gráfico que combina la fotografía y la estampación. Unai San Martin ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo. Cabe destacar su presencia en el pabellón español de la International Biennial Fair, de Lubjana (Eslovenia) (1999), la Cameron Gallery de San Francisco (2000), Foto España (2000), Kln Art Fair de Colonia (2001), The AIPAD Photography Show de Nueva York (2002), o SFMoMA rental gallery de San Francisco (2002). En 2002, el jurado del Premio Nacional de Grabado y Arte Gráfica otorgó el premio de la mejor obra realizada en 2001-2002 a San Martín, por su obra Figura.spañoles como extranjeros. Destacan el primer premio Gure Artea (1991), la beca de residencia del Kala Art Institute de Berkley (1997), y la mención de honor por la Calcografía Nacional (2001), entre otros. San Martín ha desarrollado un enorme talento y sensibilidad fotográficos especialmente en la delicada técnica del heliograbado, método gráfico que combina la fotografía y la estampación. Unai San Martin ha expuesto en galerías y museos de todo el mundo. Cabe destacar su presencia en el pabellón español de la International Biennial Fair, de Lubjana (Eslovenia) (1999), la Cameron Gallery de San Francisco (2000), Foto España (2000), Kln Art Fair de Colonia (2001), The AIPAD Photography Show de Nueva York (2002), o SFMoMA rental gallery de San Francisco (2002). En 2002, el jurado del Premio Nacional de Grabado y Arte Gráfica otorgó el premio de la mejor obra realizada en 2001-2002 a San Martín, por su obra Figura.
Sánchez Luengo, Marta (0)
Madrid, 1972 Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, en la especialidad de Escultura, desarrolla su trayectoria artística en esta disciplina, exponiendo regularmente su obra en diferentes galerías de arte, salas institucionales y ferias de arte contemporáneo, dentro y fuera de España. Obtiene diversos premios y menciones en distintos certámenes nacionales, cabe destacar el primer premio por su proyecto de obra monumental "Se hace camino al andar". A su vez, diferentes colecciones públicas y privadas albergan su obra, como Lease Plan Servicios, Museo Tiflológico de la ONCE, Patrimonio Artístico de la Catedral de León o Embajada de Egipto en Madrid. En su obra, el gran protagonista es el ser humano observado en sus diferentes realidades, así, en sus esculturas, comparten importancia el estudio de la figura y el contexto en el que ésta se presenta. La creación y uso de la escena se ha convertido en una constante en su trabajo; desde ahí nos habla de la complejidad de las circunstancias en que se ha de desarrollar el ser humano como persona, integrando la vida social-urbana con la íntima-personal.
Sanz, Eduardo (0)
Santander, 1928 Nace en Santander el 6 de julio de 1928. Realiza sus primeros estudios de pintura con José Cataluña, ingresando, en 1953, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Al año siguiente participa en una exposición colectiva en la “Sala Sur” de Santander, y dos años más tarde realiza su primera exposición individual en la “Sala Delta”, de esa misma ciudad. De 1958 a 1962 tuvo fases de abstracción informalista, que abandonó rápidamente; figuración expresionista y una breve etapa postcubista. Se dedica en ese momento al estudio de las técnicas del grabado. A partir de ese año comienza a trabajar con espejos, creando lo que denomina “Participaciones”: cuadros de vidrio-espejo rotos y a los que incorpora elementos diversos; éstos darían paso a las series “Ventanas” y “Vías o carreteras”. Realiza exposiciones con estas obras en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid, y participa en la XXXIII Bienal de Venecia. De 1962 a 1969 sus obras se caracterizan por sus superposiciones de planos y la tridimensionalidad. Desarrolla la serie de múltiples. En 1970 realiza las “Capillas-relicarios”; al año siguiente expone en Santillana del Mar: II Exposición Arte Actual. De 1972 a 1974 trabaja los temas de alfombras, vitolas y esculturas (formas cristalográficas), exponiendo los resultados en la Antológica celebrada en 1973 en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. Su siguiente etapa se inicia en 1975, caracterizándose su producción por las “Cartas de amar”, realizadas con signos y señales marítimas. De 1978 a 1980 se produce un paréntesis en su producción, y Eduardo se dedica a fabricar barcos en escala y a la pintura de pequeño tamaño con temas diversos. Estas obras las expuso en la galería “Kreisler 2”, de Madrid. En 1981 celebra una antología en el Museo Municipal de Bellas Artes de Santander, con obras representativas de su actividad entre los años 1963 a 1980. Un nuevo cambio en su obra se produce en 1979, cuando se embarca en la aventura de pintar y catalogar todos los faros de la costa española. Desde entonces hasta hoy, su fusión con el mar y los temas marinos ha sido total, surgiendo de ella sus celebradas series “Faros” y “Hora solar”. Obras suyas cuelgan en múltiples museos (Museo Albertina, de Austria; Museo de Arte Contemporáneo de Asunción, Paraguay; Museo de Arte Contemporáneo de Managua, Nicaragua; Museo de Arte Contemporáneo de Ostende, Bélgica; Museo de la Stampa de Milán; Museo Nacional de Arte Reina Sofía...) y en las más importantes colecciones públicas y privadas.
Sanz, María Luisa (0)
Valencia, 1946-2020 Estudia en la escuela de Bellas Artes de Madrid. Entre 1977 y 2008 realiza numerosas exposiciones individuales y colectivas, participando también en ferias de arte nacionales e internacionales: ARCO (Madrid), ESTAMPA (Madrid), SAGA (París), ART CHICAGO, etc. Considerada por algunos como “la reina del pop”, hay razones que convierten la pintura de Maria Luisa Sanz en una obra auténtica, con gran personalidad. Sus colores planos vienen de la más pura tradición Pop. Su dibujo limpio y perfecto delata su inspiración por el cómic. Su composición en distintos planos, fragmentos de la realidad, corresponde a una pintora moderna. En definitiva son cuadros llenos de vida, de ironía, de esa pasión por lo último, por lo contemporáneo, por la vida, que ha hecho de María Luisa Sanz una pintora apasionante que nos ha demostrado a lo largo de más de treinta exposiciones, que la vida también es bella. Ha colaborado con ilustraciones en distintas publicaciones: El País, El Mundo El Europeo, Marie Claire, Saber Leer, etc. Sus últimas exposiciones individuales fueron en la Galería Full Art, (Sevilla). Galería Lanxess, Boroda. India. Galería Arte Privado, Rosario, Argentina. Galería Prova de Artista, Lisboa, Portugal. Galería Claudius , Hamburgo, Alemania. Galería ArteinVersión, Madrid. Galería Maeson des Arts, Hanoi. Vietnam. Galería Kalae, Bilbao, España, etc. Sus obras están expuestas en diversos museos e instituciones de nuestro país entre los que destaca la Calcografía Nacional en Madrid, el Museo del Grabado de Marbella, el Museo Municipal de Santander, el Centro de Bellas Artes de Alcorcón, la Biblioteca Nacional, el Museo Conde Duque de Madrid, etc.
Saura, Antonio (0)
Huesca, 1930-1998 Nació en Huesca en 1930, en una familia muy culta. Su hermano es el director de cine Carlos Saura. A los trece años padeció una enfermedad que le obligó a permanecer en la cama un largo periodo de tiempo. Durante esta época se dedicó a leer y comenzó a dibujar. Nunca recibió una educación académica, sino que se formó de forma autodidacta. Se inclinó al principio por la corriente surrealista con obras como El marqués de Sade y una adolescente virgen o las series sobre Constelaciones. Colaboró, además, con los grupos españoles de vanguardia Tendencias 2 y Arte Fantástico. En 1952 se trasladó a París, donde residió hasta 1955. Allí entró en contacto con las vanguardias de la época, con el informalismo francés y con el arte americano de Pollock y De kooning. Su obra evolucionó desde un inicial surrealismo hacia una pintura de trazos enérgicos y paleta reducida, hacia lo abstracto y el arte gestual. Cuando regresa a España, se convierte en el teórico de la introducción del informalismo en España. En 1957 funda en Madrid el grupo El Paso junto con otros artistas españoles como Canogar, Feito, Millares, que utilizaban un nuevo lenguaje cercano a la estética del informalismo. La obra de Antonio Saura toma del surrealismo lo negativo, lo monstruoso, lo natural, lo violento y lo intuitivo, del Action Painting, toma el carácter gestual del proceso creativo y del informalismo, la abstracción. De su extensa producción sobresalen las series Crucifixiones, historia de España, Multitudes, Retratos imaginarios o Saurimaquias. Multitudes En la serie Multitudes, la multitud adquiere una personalidad, una fisonomía propia, diferente a los de los elementos que la componen. La multitud es una avalancha de figuras distorsionadas que lo ocupan todo y que carecen de nombre. Son anónimas porque su finalidad es la de constituir un todo. Se definen en relación al espacio que ocupan y al movimiento en el que se inscriben. Saura elimina el espacio figurativo tradicional, el lugar en el que pueden moverse las figuras y lo convierte en espacio pictórico, donde destacan unos motivos. Cada uno de estos motivos deja de representar un singular, son un tipo. Retratos imaginarios En la serie de los Retratos imaginarios, Saura reduce la figura a esquemas elementales para luego recomponerla. El Retrato imaginario de Felipe II está inspirado en el retrato del monarca que hizo Sánchez Coello. Felipe II es una figura monstruosa, destaca el énfasis del negro en el cuerpo y el sombrero, en su cara sobresalen los ojos y la fuerte quijada característica de los Austrias. Es un rostro de gran violencia, que queda potenciada mediante la energía del trazo. El retrato imaginario de Brigitte Bardot es un retrato irreal, inventado, en el momento álgido de la artista. Lo importante aquí no es el parecido con la modelo, sino la imagen mental que nos hemos forjado del personaje. Utiliza el negro y el blanco para alcanzar la máxima expresividad. En este retrato observamos la ausencia de profundidad, la bidimensionalidad, que será algo característico en su obra. El grito es una obra del mismo año que el retrato de Brigitte y es estilísticamente similar. Una figura humana con piernas abiertas y brazos levantados, cuya cabeza se ha convertido en una gran boca que emite un grito. La pincelada es de trazo grueso, contundente, y conforma el contorno del personaje. El fondo, blanco y gris, enfatiza el aspecto tenebrista de la expresión de dolor. La figura femenina será una constante en la obra de Saura. En 1977 realizó La cámara ardiente o Los amores célebres, pero con anterioridad había ejecutado La dama, Bailaora, Petite Dame o Lolita. La sexualidad se convierte en un rasgo definitorio de las imágenes. El cuerpo de la mujer adquiere una gran violencia, que se agita por el deseo y porque es objeto mismo del deseo. En su última etapa, rechazó el formato pequeño para crear composiciones de grandes dimensiones en las que introduce también el color. Algunos ejemplos son Transformaciones o Superposiciones. Fue también un estudioso de la historia del arte, analizando obsesivamente la obra de Goya y en especial El perro que decoraba una de las paredes de la Quinta del Sordo. Finalmente, falleció en 1998 en Cuenca. http://www.arteespana.com/antoniosaura.htm
Scannapieco, Carlos (0)
Buenos Aires, 1940 Profesor Superior Nacional de Grabado, Escuela Superior de Bellas Artes de la Nación "Ernesto de la Cárcova". Profesor titular de la Cátedra de Grabado IUNA. 1965: Premio al Mejor Grabado , Museo del Grabado. 1986: Gran Premio Salón Nacional de Tucumán. 1987: Premio Bienal de Grabado "G. Facio Hebequer" de la Academia Nacional de Bellas Artes, por unanimidad. 1988: Gran Premio de Honor del Salón Nacional de Grabado y Dibujo. 1996: Primer Premio Monocopia Salón Municipal "Manuel Belgrado", Museo Eduardo Sívori. Carlos Scannapieco incorpora a su obra la mitología de la gran ciudad contemporánea, colmada de imágenes contrastantes, y sin embargo logra organizar eso que se llama "cacofonía visual" urbana, con estampas casi abstractas, de un vigoroso lirismo, nunca condescendiente con la sensiblería; es una azaña como solo un artista de su calibre podría emprender con éxito. Scannapieco da una respuesta sensible, muy refinada justamente a los estímulos en principio menos propicios. Como el sabio alquimista consigue transmutar los elementos más groseros en un material mucho más noble y precioso, y npos ayuda a descubrir la secreta, entrañable, poesía de la ciudad" Ernesto Schoo
Singh, Diego (0)
Argentina, 1976 Diego Singh nace en Argentina. Cursa Dirección de Educación Artística. AAAP, Buenos Aires. Comunicaciones Sociales, Universidad Argentina John F. Kennedy, Buenos Aires Analista de Investigación en Estética y Estudios Hermenéuticos en los proyectos: Poesía surrealista en los años 40 en Argentina y "Crónicas del Río de la Plata" bajo la dirección del doctor Graciela Maturo; Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Tecnológicas (CONICET) Introducción al Cine, Universidad de Buenos Aires (UBA)
Solis, Mar (0)
Madrid, 1967 Mar Solís, licenciada en Bellas Artes con la especialidad de escultura, por la Universidad Complutense de Madrid. Desde 1997 hasta la actualidad, realiza diversas muestras individuales. Sus proyectos más destacados son “La Línea, la Curva, la Elipse”, Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM); “The Tale of unknowing Island”, Frost Art Museum, Miami; “Encuentros en el Espacio”, Museo de Arte Contemporáneo Eduardo Sívori, Buenos Aires; “Cuadernos de Viaje Madrid - Damasco”. Instituto Cervantes de Damasco, Siria; “Los Vértices de la Vibración”, Feria de arte contemporáneo Arco’09, stand de El Mundo; “El Cielo Abierto”, Museo Barjola de Gijón, Asturias; “Rincones Escogidos”, Palacio de Pimentel, Valladolid, entre otras. Su obra se expone permanentemente en distintas colecciones entre las que destacan: Fundación Alberto Jiménez de Arellano Alonso, Instituto Valenciano de Arte Moderno IVAM, Ayuntamiento de Madrid, Comunidad de Madrid, Ministerio de Medio Ambiente y Museo Tiflológico. Ganadora, entre otros premios de Primer Premio de Escultura de Arte Caja Madrid “Generación 2003”. Premio “Ojo crítico-Segundo Milenio” de Artes Plásticas Radio Nacional de España. Primer Premio del concurso Internacional de Escultura Caja de Extremadura. Primer Premio de Escultura “Mariano Benlliure” Villa de Madrid. Su obra pública puede encontrarse entre otros espacios, en el Parque de los Charcones, Navalcarnero, Madrid. Casa de la Cultura de Navacerrada, Madrid. Ayuntamiento de Ceutí, Murcia. Parque de Escultura al Aire Libre Kasklauttanen, Laponia. Parque de Escultura al Aire Libre Kyonggido, Corea del Sur.
Staude, Fernanda (0)
Buenos Aires, 1974 Desde pequeña practicó dibujo, pintura y cerámica en el taller “Andén 78” en Buenos Aires. En el año 2001 finaliza sus estudios de Bellas Artes en el IUNA obteniendo su Licenciatura en la especialidad de grabado y pintura. Estudió grabado con Carlos Scannapieco, Eduardo Levi y Cristina Santander. Su profesor más influyente fue el pintor Argentino Jorge Demirjian con quien estudió desde el año 1994 al 2001. Desde el año 2002 vive Madrid donde comenzó a trabajar como asistente en el taller de grabado de Pablo Rodriguez Guy y en los talleres de ediciones de serigrafía artistíca de Arte y Naturaleza. En España realizó cursos monográficos de grabado con Juan Pablo Villalpando, Alfonso Crujera y Juan Lara. En el año 2008 crea su propio taller de grabado en Vallecas donde trabaja y explora con la técnicas más tradicionales del grabado como punta seca y la xilografía y técnicas más actuales como las aditivas, collage y técnicas mixtas. El Monotipo es su formato de obra preferido, obras únicas no numeradas. El grabado le permite trabajar la multiplicidad de las imágenes para ubicarlas dentro de un marco único. Sus series de grabados hablan de temás sociales, de la ciudad, de la gente, de los tiempos desmesurados que no han tocado vivir y de la vulnerabilidad del ser humano. Este hilo conductor dentro de toda su obra parte del lenguaje visual para unirse a través de los títulos de las obras con el poético. En el año 2012 crea junto con seis artistas la Asociación Cultural Klouvi, Arte en Transformación. Un espacio de taller-tienda en el barrio de La Latina abierto al intercambio donde lo singular del trabajo y de la creación personal se nutren de la labor colectiva con otros artistas, diseñadores y artesanos. Dentro de este espacio de trabajo crea la marca “La Improductiva” con la filosofía de llevar la obra gráfica al espacio cotidiano para darle un nuevo valor a los objetos. Estampando sus obras sobre ropa u objetos usados logra recuperarlos de esa inercia creciente de “usar y tirar” tan habitual en nuestra época. En paralelo a los trabajos en equipos y asociaciones culturales su obra de grabado ha tenido un largo desarrollo desde el año 2000, realizando diversas exposiciones individuales y colectivas en Madrid, Betanzos, Barcelona, Salamanca, Buenos Aires , Berlín y Guayaquil. Participó en concursos de grabado de los cuales destacan el 1º Premio Certamen de Jóvenes Creadores, Calcografía Nacional, Madrid y 1º Premio Libro de Artista en MASQUELIBROS en el año 2015. 1º Premio Categoría Monotipo en el Salón Municipal Manuel Belgrano, Buenos Aires, Argentina, año 2008. Seleccionada en 98º y 97 Salón Nacional de Artes Visuales. Buenos Aires, Argentina, años 2007, 2008. 1º Premio de grabado en El Círculo de Bellas Artes de Madrid, años 2007 y 2005. Mención de Honor en el concurso “Gran Canaria de Series de Obra Gráfica“. Obtiene becas de residencia en Alfara Studio, Salamanca; Fundación Pilar y Joan Miró de Palma de Mallorca y La Fragua, Córdoba. Sus obras se encuentran en Museos y Colecciones como la Calcografía Nacional de Madrid; Biblioteca Nacional Española, Madrid; Alfara Studio, Oviedo; Museo Municipal Eduardo Sívori, Buenos Aires, Argentina; Museo del Grabado de Sabadell, España; Colección de Arte del Museo del Ferrocarril, Madrid; Colección de Arte Fundación AENA, Madrid; Museo Arqueológico y Arte Contemporáneo de Guayaquil, Ecuador. Colecciones particulares de Buenos Aires, Madrid, Barcelona, Berlín, Guayaquil y Bristol.
Subirach, Josep María (0)
Barcelona, 1927-2014 Escultor español. Formado en la Escola de Belles Arts de Barcelona y en el taller del escultor Casanovas, en 1951 marchó a París. Entre 1954 y 1956 estuvo en Bélgica, donde pudo conocer la vanguardia del momento y la obra de J. González. A su regreso a Barcelona, realizó esculturas para zonas urbanas y edificios públicos, para lo que utilizó el hierro, el hormigón, la madera y la piedra, mientras su estilo evolucionaba hacia un lenguaje abstracto. Entre 1959 y 1961 realizó diversas esculturas para la iglesia de la Virgen del Camino (León), en las que incorporó elementos reales. Después de realizar el monumento a N. Monturiol, y sobre todo a partir de 1967, utilizó decididamente la figuración, aunque sin abandonar un sentido abstracto, y profundizó en la dialéctica positivo-negativo, cóncavo-convexo o pintura-escultura. Desde 1986 se ocupa del programa escultórico de la puerta de la Pasión en la Sagrada Familia de Barcelona. En 1990 fue nombrado académico de Bellas Artes.
Tápies, Antoni (0)
Barcelona, 1923-2012 Antoni Tápies nace en Barcelona en 1923, en una familia burguesa, culta y catalanista, involucrada desde mediados del siglo XIX en una tradición editorial y librera que despierta muy pronto en el artista un amor por los libros y la lectura. Esta predisposición se ve acentuada por la larga convalecencia de una enfermedad pulmonar, durante la cual inicia sus tanteos artísticos. Progresivamente Tàpies se dedica con mayor intensidad al dibujo y la pintura, y acaba dejando sus estudios de Derecho para dedicarse plenamente a su pasión. En la década de los cuarenta ya expone sus obras, que destacan en la panorámica artística del momento. Partícipe de una sensibilidad generalizada que afecta a los artistas de ambos lados del Atlántico, a raíz de la II Guerra Mundial y del lanzamiento de la bomba atómica, Antoni Tàpies expresa muy pronto un interés por la materia, la tierra, el polvo, los átomos y las partículas, que se plasma formalmente en el uso de materiales ajenos a la expresión plástica academicista y en la experimentación de nuevas técnicas. Las pinturas matéricas forman una parte sustancial de la obra de Tàpies y constituyen un proyecto que sigue desarrollándose en la actualidad. Tàpies cree que la noción de materia debe entenderse también desde la perspectiva del misticismo medieval como magia, mimesis y alquimia. En este sentido, hay que entender el deseo del artista de que sus obras adquieran el poder de transformar nuestro interior. Durante los años cincuenta y sesenta, Antoni Tàpies irá elaborando una serie de imágenes, generalmente extraídas de su entorno inmediato, que aparecerán en las distintas etapas de su evolución. Muchas veces, una misma imagen, además de aparecer representada de diversas formas, tendrá múltiples significaciones diferenciadas que se irán superponiendo. Su mensaje se centra en la revaloración de lo que se considera bajo, repulsivo, material (no en vano Tàpies escoge a menudo temas tradicionalmente considerados desagradables y fetichistas, como un ano defecando, un zapato abandonado, una axila, un pie y otros similares). Asimismo, la obra de Antoni Tàpies ha sido siempre permeable a los acontecimientos políticos y sociales del momento. A finales de los años sesenta y principios de los setenta, su compromiso político contra la dictadura se intensifica, y las obras de este período tienen un marcado carácter de denuncia y protesta. Coincidiendo con la eclosión del arte povera en Europa y el posminimalismo en EEUU, Tàpies acentúa su trabajo con objetos, no mostrándolos tal como son, sino imprimiéndoles su sello e incorporándolos a su lenguaje. A principios de los ochenta, una vez restaurado el Estado de derecho en España, el interés de Tàpies por la tela como soporte adquiere una fuerza renovada. Durante esos años, realiza obras con goma-espuma o con la técnica del aerosol, utiliza barnices y crea objetos y esculturas de tierra chamoteada o de bronce, y se mantiene muy activo en el campo de la obra gráfica. Por otra parte, a finales de los ochenta, parece reforzarse el interés de Tàpies por la cultura oriental, una preocupación que ya se había ido gestando en los años de la posguerra y que se convierte cada vez más en una influencia filosófica fundamental en su obra, por su énfasis en lo material, por la identidad entre hombre y naturaleza y por la negación del dualismo de nuestra sociedad. Igualmente, Tàpies se siente atraído por una nueva generación de científicos, capaces de apoyar una visión del universo que entiende la materia como un todo, sometido al cambio y la formación constantes. Las obras de los últimos años constituyen esencialmente una reflexión sobre el dolor -físico y espiritual-, entendido como parte integrante de la vida. Influido por el pensamiento budista, Tàpies considera que un mayor conocimiento del dolor permite dulcificar sus efectos, y de este modo, mejorar la calidad de vida. El paso del tiempo, que ha sido una constante en la obra de Tàpies, adquiere ahora nuevos matices, al vivirse como una experiencia personal que comporta un mejor autoconocimiento y una comprensión más clara del mundo que le rodea. Durante estos últimos años, Antoni Tàpies ha consolidado un lenguaje artístico que, por una parte, traduce plásticamente su concepción del arte, y por otra, unas preocupaciones filosóficas renovadas con el paso del tiempo. Su práctica artística sigue siendo permeable a la brutalidad del presente, a la vez que ofrece una forma que, pese a su ductilidad, permanece fiel a sus orígenes. En este sentido, las obras de los últimos años no sólo se inscriben en la contemporaneidad, sino que también son un registro del pasado del artista. Paralelamente a la producción pictórica y objetual, Tàpies ha ido desarrollando desde 1947 una intensa actividad en el campo de la obra gráfica. En este sentido, vale la pena destacar que el artista ha realizado un gran número de carpetas y libros de bibliófilo en estrecha colaboración con poetas y escritores como Alberti, Bonnefoy, Du Bouchet, Brodsky, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Frémon, Gimferrer, Guillén, Jabès, Mestres Quadreny, Mitscherlich, Paz, Saramago, Takiguchi, Ullán, Valente y Zambrano, entre otros. Asimismo, Antoni Tàpies ha desarrollado una tarea de ensayista que ha dado lugar a una serie de publicaciones, algunas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001). https://www.fundaciotapies.org
Tena, Gonzalo (0)
Teruel, 1950 Aunque desde pequeño tuvo afición por el dibujo y la pintura, esa inclinación previa se confirmaría en la adolescencia por el contacto con el pintor Agustín Alegre y también, según el propio Tena, por “descubrir que los pintores pintaban mujeres desnudas, que las mujeres se desnudaban en el estudio”. Su participación en el entorno del Colegio Menor San Pablo de Teruel en los años sesenta cimentaría una amistad con José Antonio Labordeta y con Federico Jiménez Losantos que se mantuvo en el tiempo. Sus estudios universitarios de Bellas Artes en Valencia fueron decepcionantes: era una enseñanza artística muy retrógrada. Allí solo cursaría dos años y se traslada a Barcelona en 1970. Comienza entonces una etapa más abierta a la modernidad, más libre y muy influenciada por el pop art. Un año después comenzaría un periodo en el que la obra de Gonzalo Tena sufre una transformación radical y sorprendente: junto a sus amigos José Manuel Broto, Javier Rubio y el ya citado Federico Jiménez Losantos forman el Grupo de Trama, revista en la que recogen sus planteamientos teóricos y plástico. Y este grupo se convertiría en uno de los hitos artísticos de los años de la transición. De 1974 a 1978 realizan varias exposiciones colectivas y una intensa actividad teórica que tiene su base en el marxismo-leninismo-maoísmo, el psicoanálisis y la semiótica. La pintura-pintura, como acabó denominándose la producción del grupo, reivindicaba “la pintura frente a su disolución”. En el debate frente a los artistas conceptuales, predominantes en aquel momento, los miembros de Trama contaron con el apoyo de Antoni Tàpies quien, al conocer a Gonzalo Tena e identificarlo como pintor por sus pantalones y zapatos llenos de goterones le preguntó: “¿Pero es que aún hay gente que pinta?”. El final de Trama corre parelelo al mayor reconocimiento individual de Broto y Tena. Sus respectivas exposiciones en la madrileña galería Buades señalan el inicio de la disolución y el comienzo de una etapa ya en solitario. Así, en los años ochenta, las muestras individuales se alternan con la participación en algunas colectivas. Madrid, Teruel y Zaragoza serán las ciudades que acojan la pintura de Tena. Y Buades será de nuevo la galería que en la que Gonzalo Tena expuso por última vez antes de iniciar una larga ausencia del mundillo artístico que se inicia. Pero antes, en 1983, diseñó una cabecera de espontáneo trazo pictórico para el número 0 de una revista, TURIA, que nacía en Teruel con vocación de “constituirse en un ejercicio válido de pluralidad intelectual”.
Toledo, Alvaro (0)
Madrid, 1965 Nace en Madrid el 18 de noviembre de 1965. Hijo de arquitecto y nieto de pintor, se educa en un entorno marcadamente artístico. Desde su etapa escolar en el Colegio Estudio de Madrid, manifiesta una temprana inclinación por el dibujo, e ingresa en la Facultad de Bellas Artes de la UCM en 1983. Tras licenciarse en 1988, se dedica exclusivamente a la pintura. En 1995, se traslada con su familia a una casa estudio en Arganda del Rey (Madrid), donde actualmente vive y trabaja. Vinculado al realismo madrileño, el artista ha recibido numerosos premios y distinciones a lo largo de estos años, entre los que destacan el galardón de pintura Pedro Bueno otorgado por el Ayuntamiento de Villa del Río (Córdoba) en 1992, la medalla de honor en el IV Premio de Pintura Arquitectura y Paisaje Urbano de la Fundación Antonio Camuñas de Madrid (en 1999) y el premio de la Fundación Pilar Banús, en el marco de los XI Premios Nacionales de Grabado de la Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo en Marbella (en 2003). Como ganador del Premio Penagos de Dibujo de la Fundación Mapfre, en 1997, conoce al galerista Leandro Navarro, que forma parte del jurado, e inician una larga relación de colaboración. En 1999 y 2001, participa en las exposiciones "Rosas para el 2000" y "Nocturnos" de la Galería Leandro Navarro, donde vuelve a exponer de forma individual en 2008. Otras salas y galerías que han expuesto la obra de Álvaro Toledo son Sammer Gallery Modern Art (Madrid), la Caja de Ahorros Municipal de Pamplona, Galería Miguel Espel de Madrid, Galería Aroya de Zaragoza, Galería Ansorena de Madrid, Galería La Aurora de Murcia y Galería Vértice de Oviedo. Las colecciones públicas y privadas en las que pueden encontrarse hoy algunas de sus obras son la del Ayuntamiento de Villa del Río (Córdoba), la Colección Acciona de Madrid, Colección Endesa (Madrid), Colección Sando (Málaga), Comunidad de Madrid, Fundación Antonio Camuñas (Madrid), Fundación "Estudio" (Madrid), Fundación Mapfre-Vida (Madrid), MGEC-Museo del Grabado Español Contemporáneo en Marbella (Málaga) y Universidad Complutense de Madrid. http://www.leandro-navarro.com
Ujados, Beatriz (0)
Madrid, . Reside y trabaja en Boadilla del Monte, Madrid Después de terminar Magisterio en la Universidad Complutense de Madrid con matrícula de honor en la especialidad de Artes Plásticas, obtiene una beca en la Facultad de BB.AA. de Bergen - Noruega durante un curso. Trabaja como ilustradora de libros para editoriales españolas e italianas publicando más de 2000 ilustraciones y forma parte del departamento de diseño gráfico de Telemadrid, durante 20 años. Al mismo tiempo completa su formación académica y artística durante 5 años en el taller de Grabado Calcográfico de Manuel Ayllón, 5 en el taller de Pintura de Teresa Muñiz, completando 2 cursos de Serigrafía en la Facultad de BBAA de la Universidad Complutense de Madrid, junto a cursos magistrales de Dibujo dirigidos por Manuel Alcorlo. Entre tanto realiza exposiciones individuales de grabado, dibujo, pintura y acuarela en Las Galerías “Tórculo” “Duayer” y “Larra” de Madrid, y exposiciones colectivas en Madrid y diversas capitales españolas. También en Chicago (Illinois – EEUU), Innsbruck (Austria) y Trosnäs (Suecia). Participa durante años y en la actualidad, en Ferias Internacionales como Estampa, FigBilbao, Feria Internacional del Libro de Artista, donde recibe un 1er. Premio por su libro, en 2014. Por encargo de Renfe y Adif realiza más de 10 obras gráficas originales de gran tirada, con motivo de la inauguración de diversas estaciones del AVE Adquieren o poseen su obra Centros Públicos como: Biblioteca Nacional de Madrid Museo del Traje de Madrid Fundación Maturén, Zaragoza Museo de la Rioja, Logroño Centro Blas de Otero, Madrid Museo Municipal de Innsbruck, Austria El Premio Nacional de poesía y crítico de arte José Hierro, el artista Manuel Alcorlo y la crítico de arte Carmen Pallarés han escrito textos sobre su trabajo. www.beatrizujados.com
Undabeytia, Ramiro (0)
Madrid, 1952 Nace en Madrid en 1952. Cursa estudios en la Escuela Nacional de Cerámica de Madrid. 1962-1969. Toma contacto con el grabado den el taller de Antonio Lorenzo 1967. Colabora con el Grupo 15 (1971-1985) Se establece en su propio taller e imparte clases técnicas de grabado desde 1979, profesor de grabado en el Centro cultural Nicolás Salmerón, colabora como ilustrador con varias editoriales. Desde 1986 participa regularmente en las Ferias Artexpo de Nueva York y Los Ángeles y tiene en su haber diversos Premios y Menciones Nacionales e Internacionales de Grabado. Desde 1981, ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Su obra se encuentra representada en colecciones oficiales y particulares así como en La Biblioteca Nacional España.
Urculo, Eduardo (0)
Santurce, 1938-2003 Pintor y escultor español, nacido en Santurce (Vizcaya) en 1938 y fallecido en Madrid el 31 de marzo de 2003. En 1940 se instaló con su familia en Asturias, lugar donde estableció su residencia habitual. Desde joven comenzó a pintar sin contar con una formación artística previa. Su primera actividad profesional fue la de dibujante de tiras en el periódico de Oviedo La Nueva España, actividad que realizó a lo largo de 1957; este mismo año recibió una beca del Ayuntamiento de Langreo para estudiar en Madrid, tras la celebración de su primera exposición individual titulada Hogar del Productor (La Felguera, Asturias). Estudió en Madrid y en París donde conoció a personalidades del arte como Eduardo Westerdahl, Man Ray, Max Ernsty Giacometti. También realizó ilustraciones de cuentos para la revista Triunfo, así como escenografías para teatro. Su obra ha evolucionado desde el expresionismo de gran contenido social de su primera etapa madrileña, donde pintó suburbios y chabolas, hacia la abstracción de los primeros años sesenta, marcados por el conocimiento de Westerdhal en 1960. A partir de 1965 volvió nuevamente a la figuración. En 1967 tuvo su primer contacto con el pop-art americano tras un viaje por el Norte de Europa. Llevó a cabo una obra dentro del pop realista, basada en un colorido vivo, y trató temas erótico-satírico-críticos de la sociedad actual, que ocuparon toda la época de los setenta. Posteriormente evolucionó hacia un mayor intimismo. Su última obra se concentró en el tema del viajero enfrentado con las grandes ciudades modernas, lo que supone una variante irónica de la figura del viajero romántico sobrecogido por los paisajes naturales. En su producción de 1991, de carácter escultórico, y dentro de la temática del viajero, realizó una serie de obras en bronce que representan elementos anteriormente aparecidos en sus cuadros, como son maletas, baúles, sombreros, palos de golf, paraguas, etc. En 1991 concluyó un monumento a los viajeros, instalado en la estación Ferroviaria de Atocha. Su repentina muerte coincidió en el tiempo con la inauguración de una gran exposición de su obra en la que presentó cincuenta de sus mejores piezas por todo el mundo. www.mcnbiografias.com
Uslé, Juan (0)
Santander, 1954 Desde 1973 a 1977, estudia Bellas Artes en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Hasta comienzos de los ochenta exhibirá sus trabajos por toda España. Durante el año 1981 realizará algunas exposiciones individuales. Se le considera un artista dentro de una abstracción expresionista. En 1986, Uslé y Victoria Civera, deciden trasladarse a Nueva York. La estancia de un año se alarga bastante más y aún hoy todavía mantiene su estudio en esa ciudad. En 1994, se afirma que se ha convertido en la avanzada internacional de la pintura española. Su implantación en la escena neoyorquina y su presencia en la última Documenta de Kassel, son dos pruebas de ello. La obra de Uslé se reconoce como una de las más evocadoras de su generación. No obstante, el trabajo de Uslé es de una gran complejidad. El artista no ha bloqueado su propio desarrollo ni en temas ni estilos. Al contrario, sus obras han recorrido diversas opciones, siendo fiel únicamente a esa deriva permanente, fluida. Tras unos comienzos expresionistas evoluciona hacia una pintura prácticamente abstracta con resonancias figurativas que parte de un motivo concreto: el paisaje marítimo y romántico de los naufragios o los viajes míticos. Desde que en 1987 se instala en Nueva York su pintura se transforma de tal manera que el lienzo queda definido de manera precisa por trazos, líneas y contornos. Dentro siempre de un cierto orden su pintura combina el lirismo y la fuerza de expresionismo. Hacia 1993 sus obras toman como referencia a Mondrian y el paisaje urbano de Manhattan, así como la pintura norteamericana. Actualmente se caracteriza por el empleo de bandas paralelas de anchos brochazos que recorren la superficie de la tela con enorme delicadeza, cualidad que se repite en la manera de superponer las capas diluidas de materia junto con un soberbio manejo del color. En 2002 recibe el Premio Nacional de las Artes Plásticas “por su actividad como pintor que ha sabido conciliar geometría y lirismo, desde principios de los ochenta hasta la actualidad, y le ha confirmado como una de las voces más sólidas y singulares de la pintura abstracta internacional.” Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y Saro (Cantabria).
Varas, Jorge (0)
Madrid, 1964 Durante toda mi vida he intentado ajustarme a ese aforismo de Brancusi que dictamina: “Crear como Dioses, mandar como reyes y trabajar como un esclavo”, como consecuencia de esta intención he estado escribiendo y reflexionando sobre mi propio trabajo en estos últimos años. Después de 25 años de dedicación a la escultura, de realizar numerosas exposiciones en Europa, de participar en ferias internacionales, de obtener premios nacionales y de instalar algunas obras publicas de gran formato en algunas de las ciudades más bellas de nuestra geografía he visto en la necesidad de respirar un nuevo aire para contemplar el horizonte con calma. El trabajo tiene que crecer asumiendo otras cualificaciones. Las estructuras lineales que ahora propongo intentan superar los límites del medio y del propio formato. Acogiéndome a sus posibilidades como disciplina morfológica, estos trazados median hacia un fin que puede tener muchas caras, su validez no concluye solo en su intencionada autonomía estética, sino en las capacidades que tienen tanto para participar en la elaboración de un proyecto como para buscar nuevas posibilidades expresivas en la configuración del mismo. Hacen presente visualizándolo, el asunto sobre el que discurren, posibilitándome además una clarificación de los caminos por los que transita mi conciencia o inconsciencia; son explícitas representaciones bidimensionales más o menos pautadas en su elaboración, que me permiten predecir y tantear mi escultura como manifestación espacio-temporal.
Vega de Seoane, Eduardo (0)
Madrid, 1955 He llegado a convertirme en pintor a través de mi propia búsqueda personal. Empecé la carrera de ICADE pero la dejé en el segundo año y decidí irme fuera de España a estudiar cine. Estuve principalmente en Suecia (Estocolmo) y Holanda (Amsterdam) durante 1976, allí me inicié en diferentes materias (cine, teatro, fotografía, pintura,…) y descubrí que lo que quería era pintar. A la vuelta a Madrid me inscribo en la escuela de arte Estudio Arjona donde estudio durante 5 años (2 de ellos con beca) dirigido por María Luisa Arjona (excelente profesora). En el verano de 1977 hice un viaje en trenes y autobuses a través de Irán, Afganistán, Pakistán e India que me influyó mucho a la hora de buscar la libertad como pintor. Esta es una pintura que busca transmitir energía. Los títulos de las obras se refieren al aire, a la tierra, al viento, a la montaña, hablan de escribir, de navegar, de soñar. El pintor crea un escenario para que nos sumerjamos, soñemos, volemos. Los medios que nos da son el color, la escritura espontánea, las formas que se van creando como por arte de magia, como las nubes que se forman en el cielo. Es una pintura para dejarse ir, para soñar y participar en la creación. Son escenarios abiertos que invitan a entrar en ellos dándoles nuestra propia lectura. No hay un solo significado, son obras abiertas a nuestra imaginación.
Verbis, Daniel (0)
León, 1968 La trayectoria de Daniel Verbis se remonta a los años noventa. Desde sus primeras series y exposiciones, ha concebido su obra como un proceso de investigación sobre los procedimientos materiales y formales de la pintura en primera instancia, y sobre los problemas del lenguaje en segundo término. Desde comienzos del presente decenio, su obra ha intensificado su exploración sobre los nuevos comportamientos de la pintura. Su trabajo más reciente, mostrado en una exposición individual en la Galería Siboney en 2016, lleva por título “El animal en su laberinto: prueba caligráfica de una aparición” y reúne una selección de dibujos en los que incide en varios aspectos de su trabajo, como la deconstrucción del lenguaje pictórico, la experimentación con materiales extrapictóricos y el cuestionamiento del soporte.
Villalba, Dario (0)
San Sebastián, 1939 Pintor y fotógrafo. En su juventud también fue patinador llegando a representar a España en los Juegos Olímpicos de Cortina d'Ampezzo 1956. Nació en San Sebastián en 1939, en una familia con larga tradición artística. Con 18 años realizó su primera exposición en la galería Alfil de Madrid y comenzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, al mismo tiempo estudió Derecho, que abandonó, y Filosofía y Letras. También practicaba dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. En París pintó en el taller de André Lhote durante unos meses. En 1962 recibió una beca para estudiar en la Universidad de Harvard, lo que supuso una serie de exposiciones en USA, dando a conocer sus series: La Duquesa de Alba y Fósiles, torsos y huellas. En 1967 comenzó sus viajes a Londres que se convirtieron en una excelente fuente de imágenes fotográficas urbanas. Su serie Los Encapsulados le proporcionó un gran éxito internacional. Obtuvo el Premio Internacional de Pintura en 1973 en la XII Bienal de Sao Paulo. En 1979 recibió el Premio Internacional del Jurado en la XIII Bienal de Arte Gráfico en Liubliana. En 1983 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. El 17 de noviembre de 2002 ingresó como miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; su discurso de entrada: “En torno al acto creativo: Nuevas reflexiones”. En 2003 se le impuso la Medalla al Mérito en las Bellas Artes.
Villar, Isabel (0)
Salamanca, 1934 En su obra se aprecia siempre un conocimiento y dominio técnico depurado, en el uso de las múltiples perspectivas, en el juego de los colores, en la superposición de los planos. Todo ello confiere una rigurosidad pictórica y un buen hacer que se mantiene y es cada vez más patente en su trayectoria. Tras este buen hacer de la materia, se percibe la cualidad más trascendente en la obra de Isabel: su poesía. Lo poético en sus cuadros es lo que más nos alcanza, transmitiendo esa serenidad, esa melancolía apacible, ese deseo de paraíso casi inalcanzable con el que nos gustaría toparnos de frente, y en el que nos gustaría introducirnos para reposar sin fin. Consagrada pintora y artista gráfica española, es quizás una de las mejores representantes del arte NAÏF español. El mágico encanto de Isabel Villar se transparenta en sus imágenes y sucesos casi oníricos que pueden recordar el Surrealismo.
Weinold, Félix (0)
Augsburg, 1960 Se licencia en Bellas Artes por la Akedemie der Bildenden Künste de Munich. En el verano de 1985 es becado para el Curso Internacional "Gráfica'85" en Betanzos, Galicia. Así comienza su relación con España, donde vivirá durante algún tiempo, realizando exposiciones en Madrid (Galería Víctor Martín, Término, Utopía Parkwa, en la Galería Arteara), Palma de Mallorca (Lluc Fluxá), Pamplona (Sala de Mixtos de la Ciudadela), Reus (Galería Antoni Pinyol) y en Cáceres (Bores & Mallo) participando en varias ediciones de la feria ARCO. Pertenece a l estirpe de los artistas magos, es decir, a las casta de los son capaces de hallar en el espacio la puerta que puede conducir a sus obras a encontrarse con lo hasta ese momento no visible y descubrir en el tiempo el punto de inflexión que comba su corriente sucesiva. Un artista que a sus treinta años ha equilibrado la balanza entre su instinto y su conocimiento, entre su necesidad expresiva y las fuentes de dicha necesidad. No dudo pues de que aquellos que vieran sus series, la primera en ARCO´91 con la galería Victor Martín y la segunda en la desaparecida Término, no habrán olvidado ni el nombre del pintor ni sus obras. Weinold es un artista consciente que administra la índole del inconsciente con la asistencia y la energía que presta la razón, y de ahí surge la calidad de sus propósitos, el vigor de su ejecución y la intensidad estética y filisófica de sus resultados. Sus obras, tanto los objetos, como los óleos, acrílicos y realizadas con la cocina propia de las técnicas mixtas, pueden enmarcarse dentro de las corrientes del arte Povera y del expresionismo abstracto, más con una tendencia hacia la “mano lírica” que le impide el exceso y estampa el sello de su personalidad. En “Villa Dei Misteri”, se adentra en una activa e intensa contemplación de si mismo tanto como en la fascinante y tremenda villa pompeyana, y logra así no rozar en ningún caso el folclorismo, no coquetear en vano con el polo de atracción que supone un tema, una historia y una atmósfera semejantes. Es importante seguir de cerca las pautas del desarrollo y las variaciones en la trayectoria de este pintor, porque Weinold es uno de los casos en los que la identidad consigo mismo no supone en absoluto la inmutabilidad ni el estancamiento.
[pwb-az-listing]